DAS WERDEN WIR JA SEHEN!? 2.0

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Dyanne Thorne

GRETA - HAUS OHNE MÄNNER

● GRETA - HAUS OHNE MÄNNER / GRETA, LA TORTIONNAIRE / ILSA, THE WICKED WARDEN (CH|D|CA|1977)
mit Lina Romay, Tania Busselier, Angela Ritschard, Peggy Markoff, Eric Falk, Esther Studer, Dagmar Bürger, u.a.
eine Produktion der Elite Film | Cinépix
ein Film von Jess Franco

»Was weiß ein kleiner Feld-, Wald- und Wiesendoktor von der Behandlung schwachsinniger Asozialer?«

Alarm in der abgelegen, im Urwald liegenden La Guardia-Klinik. Eine Frau ist aus der psychiatrischen Anstalt entflohen, die von Aufseherinnen gehetzt und schließlich angeschossen wird. Mit letzter Kraft kann sie zum Haus von Dr. Arcos (Jess Franco) retten. Bevor er sie jedoch behandeln kann, wird sie von Greta (Dyanne Thorne), der Leiterin der Klinik, und ihren Helfershelfern abtransportiert. Die Schwester der Verletzten, Abigail Philips (Tania Busselier) erfährt, dass die Entflohene verstorben sein soll. Sie bringt Dr. Arcos dazu, sie für den Zeitraum von 30 Tagen in die höchst fragwürdige Anstalt einzuweisen, um dort recherchieren zu können. Anschließend soll er wieder für ihre Entlassung sorgen. Doch Abbie ahnt nicht, dass sie damit einen Freibrief in die Hölle ausgestellt bekommen hat. Nicht nur die sadistische Leiterin, sondern auch die perverse Insassin Juana (Lina Romay) macht ihren Aufenthalt zur gefährlichen und unerträglichen Zerreißprobe …

Wer bereits die schlagenden Argumente einer wild gewordenen Ilsa kennenlernen konnte, dürfte auch auf Jess Francos Greta gespannt sein, denn immerhin konnte man auch für diese Produktion die imposante Dyanne Thorne gewinnen, die sich in Windeseile als einer von Francos Selbstläuferinnen herausstellen wird. Mit Thorne im Gepäck war der wirtschaftliche Erfolg dem Vernehmen nach nur reine Formsache, und es ist sogar spannend dabei zuzusehen, wie unterschiedliche inszenatorische Auffassungen um die längst berüchtigte US-Amerikanerin buhlen. Jess Franco platziert seine Hauptdarstellerin so, dass man nicht an ihren schlagenden Argumenten vorbeikommen kann, und es ist erneut erstaunlich, welch bizarre Aura die gefürchtete Leiterin einer Klinik ohne offensichtliche Expertise aufbauen kann – zumindest im medizinischen Sinn. Innerhalb ihrer Foltermethoden und ausschweifenden Sexualpraktiken, die gerne auch einmal in Kombination durchgeführt werden, erweist sich Thorne abermals als ausgewiesene Expertin, vor der die Insassinnen zittern. Die praktischen Veranschaulichungen statten den Film mit einem teils unappetitlichen Flair aus, welches jedoch zum Hinschauen bewegt, da man bei so viel Brutalität, Sadismus und Unmenschlichkeit einfach nicht wegsehen kann. Wie sich derartige Zustände etablieren konnten, wird nicht geklärt, zumal weder die Regie noch das Publikum ernsthaft daran interessiert sein dürften. Die Geschichte kann somit ihren demonstrativen Charakter gewinnbringend ausspielen, was für zufriedene Interessenten sorgt, immerhin weiß man im Vorfeld, mit wem man es hier vor und hinter der Kamera zu tun bekommt. Es kann nicht oft genug betont werden, wie erstaunlich die Tatsache ist, dass sich Jess Franco stets an Populärthemen und aufflammende Trends heran heften konnte, ohne dabei allerdings zu viel Abklatsch zu betreiben, immerhin weist jedes seiner Regiewerke eine unverkennbare, individuelle Architektur und Färbung auf, was man sowohl positiv, als in bestimmten Fällen auch negativ bewerten kann. Der klare oder simple Aufbau der Story entfaltet sich als klassischer Alptraum zwischen Leidenschaft, Sadismus und Folter, was bei der Palette der Angebote und vor allem visuellen Veranschaulichungen für Kopfnicken beim Zielpublikum sorgen wird.

Im Rahmen der luxuriösen Grundvoraussetzung einer übermächtigen Titelfigur kommt es zu wirklich guten Leistungen der anderen Schauspielerinnen im Gefängnis der gefürchteten Greta, die eigens von Dyanne Thorne im vollen und altbekannten Umfang mit Wonne ausbuchstabiert wird. Dabei ist schon eine Routine zu sehen, die eine deutliche Sprache darüber spricht, was mit ihr hier noch zu erwarten ist. Unter Jess Franco ist es natürlich klar, dass die sadistische Ader zugunsten einer perfiden, lesbisch-sadomasistischen Tendenz weichen muss. In diesem Zusammenhang wird Lina Romay beinahe wollüstig etabliert, und muss viele Szenen zum Besten geben, die andere Kolleginnen aufgrund ihrer widerlichen Anflüge vielleicht niemals in Betracht gezogen hätten. Unterm Strich trägt sie jedoch dazu bei, dass die Konstruktion schockieren kann, da sie für das Unerwartete und Perverse steht. Tania Busselier bietet dem Zuschauer quasi die Sympathieträgerin, also gute Seite in diesem von Höllenqualen durchzogenen Haus an, wird den Zuschauer allerdings auf harte Proben stellen. Ansonsten verfügt die Produktion über gute alte Bekannte, die das gerne auch in vulgärem Licht schimmernde Geschehen tatkräftig unterstützen, genau wie es der gepflegte Gossenton innerhalb einer blendenden deutschen Synchronisation tut, die von der begnadeten Ursula Heyer als Greta angeführt wird. Folgende Aussage von Jess Franco himself wirkt auch hier exemplarisch und wird in teils aufwühlenden, abstoßenden aber auch erotischen Bildern festgehalten: »Ich bin ein sexuell Besessener, ein enorm Besessener. Ich bin ein Voyeur und ich will davon nicht geheilt werden – daher mein gigantisches Vergnügen, Sexszenen zu erfinden, sie zu dirigieren, sie zu sehen und sie obendrein zu filmen …«. All dies wirkt wie das Elixier vieler seiner Geschichten. "Greta – Haus ohne Männer" ist und bleibt schlussendlich ein guter Franco, der das Potenzial seiner Geschichte und der nicht alltäglichen Hauptdarstellerin effizient nutzt. Versehen mit einem Finale, das wirklich hervorragend gelungen ist, da es dem Publikum vollkommen überraschend und urplötzlich zum Fraß vorgeworfen wird, bleibt der Verlauf in deutlicher Erinnerung, da er seinen zu erwartenden Frondienst am Kunden mit Leichtigkeit tun kann.

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● DYANNE THORNE als GRETA in
GRETA - HAUS OHNE MÄNNER (CH|D|CA|1977)

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Betrachtet man Dyanne Thornes Filmkarriere, so scheint diese bis auf ihre "Ilsa"-Verfilmungen wenig linear zu verlaufen, allerdings hat sie im Gros doch einiges mit ihren Dingern gedreht. Um in Jess Francos Sequel auftreten zu können, wurde sie für diesen Ritt auf der Rasierklinge von der kanadischen Produktionsfirma Cinépix an Erwin C. Dietrich ausgeliehen, im deutschsprachigen Raum allerdings zur unbändigen "Greta" umfunktionalisiert, in deren Haus es dem Vernehmen nach keine Männer braucht. Die Herrscherin über ein Sanatorium mit angeblicher ärztlicher Expertise, lässt sich von ihren Untergebenen »Marquesa« nennen und in jeder Hinsicht bedienen. Aber Greta bedient auch ihre Klientel, und zwar prompt mit Erpressung, Erniedrigung, Folter, Verstümmelung und als logische Konsequenz auch Mord. Unter den Insassinnen sind ihre Experimente gefürchtet, denn sie pflegt keine Gefangenen zu machen. Dyanne Thorne konnte im Vorlauf zu dieser Produktion in drei unterschiedlichen Filmen Erfahrungen sammeln und ausspielen, sodass man unter Jess Francos von nackten Körpern und heißen Sex-Einlagen abgelenktem Inszenierungsstil eine ihrer leichtesten Übungen zu Gesicht bekommt. Erneut synchronisiert von Ursula Heyer, deren Instrument jeden erdenklichen Ton abzudecken vermag, entstehen die großen Momente mit der unerbittlichen Titelfigur. Konversationen mit Greta gestalten sich in der Regel so, als habe sie wie der Märchenwolf Kreide gefressen. In peinlichen Verhören, die sie höchstwahrscheinlich medizinische Anamnese nennt, wirbt sie um Vertrauen, um dieses bei der nächsten Gelegenheit zu missbrauchen und gegen ihre Opfer zu verwenden. Greta ist heimtückisch, sadistisch, unstillbar in ihrem Sexhunger und abgrundtief pervers. Hervorragende Referenzen für einen derartigen Posten. Auf ihren Kontrollgängen vergnügt sie sich mit der Elektro-Folter, Verätzungsspritzen oder nur banalen Peitschenhieben. Frappierend bei derartigen Szenen ist, welch irren Blick die Schauspielerin aufzusetzen in der Lage ist, um schließlich zu untermauern, dass es sich um eine Wiederholungstäterin aus vollster Überzeugung handelt, die vielleicht selbst einmal auf ihren Geisteszustand überprüft werden sollte.

»Genießen und Leiden, ein ewiger Kreis!« Was wie das Credo der meist barbusigen Rothaarigen klingt, wird bei jeder sich bietenden Gelegenheit in die grausame Tat umgesetzt. Greta genießt, während andere Höllenqualen erleiden. So benutzt sie beispielsweise ihr Spitzel Juana nach einer Nacktmassage als lebendiges Nadelkissen, um sich anschließend mit ihrem vollen Gewicht auf ihre Gespielin zu legen. Hierbei handelt es sich sozusagen um ihr persönliches Happy Ending. Es lässt sich selbstverständlich darüber streiten, ob es sich am Ende um eine gute schauspielerische Leistung handelt, aber dennoch liefert Thorne eine Art stupide Brillanz ab und wirkt daher immens überzeugend. Die US-Amerikanerin betritt das Szenario sozusagen obligatorisch, sprich: nackt, und präsentiert dem interessierten Zuschauer ihre üppige Auslage. Es folgen Szenen der Auto-Erotik und Perversion. In diesem Zusammenhang schafft es Thorne mit Leichtigkeit, eine starke Präsenz und eine sich in Wechselbädern austauschende Ausstrahlung aufzubauen. Ihre Methoden sind dabei überwiegend abscheulich und verachtenswert, aber dennoch kann es trotz aller abstoßenden Veranschaulichungen zu einer manchmal unerklärlich anziehenden Note oder zumindest aufregenden Eindrücken unter vollem Körpereinsatz kommen, wohlgemerkt ohne Textilien. Dyanne Thornes schauspielerisches Repertoire wäre vielleicht relativ schnell ausgeschöpft, wenn die Dramaturgie und der Regisseur mehr von ihr verlangt hätten. So erschließt sich grundlegend eine Leistung nach Maß und Anforderung, die sie sehr überzeugend erscheinen lässt. Auch wenn die Figur zum vierten Mal in einen neuen thematischen sowie zeitlichen und örtlichen Rahmen gesteckt wird, nutzt sich das Thema dennoch nicht so schnell ab, wie vielleicht erwartet, sodass es beinahe zu bedauern ist, dass nicht noch ein mehr Teile mit der völlig degenerierten Titelheldin umgesetzt wurden. Was bleibt ist erneut eine Expertise in Sachen Exploitation, für die Dyanne Thorne wie ein Prototyp wirkt. Übrigens ist das hier exerzierte Finale ein wirklicher Hingucker geworden, in welchem der Genugtuung zum Recht verholfen wird. Ob "Ilsa" oder "Greta" – die US-Amerikanerin jongliert gekonnt mit Schauwerten, die das Potenzial besitzen, zu polarisieren.

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LAMPENFIEBER

● LAMPENFIEBER (D|1960)
mit Dunja Movar, Antje Weisgerber, Gustav Knuth, Hans Schweikart, Anne Kersten, Henry Vahl, Eva Vaitl, Peter Paul, Minna Späth, Elke Sommer,
Claus Wilcke, Corinna Genest, Gitty Daruga, Dieter Klein, Michael Hinz, Helmut Förnbacher, Erna Sellmer, Peter Striebeck sowie Bernhard Wicki
als Gäste: Hannes Messemer, Johanna von Koczian, Margarete Haagen, Eva Maria Meineke, Hans Clarin, Rosel Schäfer, Annemarie Wernicke, u.a.
eine Heinz Angermeyer Produktion der Filmaufbau | im Constantin Filmverleih
ein Film von Kurt Hoffmann

»An das Böse glaubt man immer erst hinterher!«

Gitta (Dunja Movar) hat sich in den Kopf gesetzt, Schauspielerin zu werden, bis sie sich gegen den Willen ihrer Eltern an einer Münchner Schauspielschule bewirbt und auch angenommen wird. Ihr Vater sperrt sich gegen jegliche finanzielle Unterstützung, sodass sie selbst für ihren Lebensunterhalt und eine Wohnung aufkommen muss. Als sie die Wohnung nicht mehr bezahlen kann, zieht sie bei ihrer Mitschülerin Grete (Inken Deter) ein, der Tochter eines Lebensmittelhändlers (Gustav Knuth), der sie in jeder Hinsicht bei der Ausbildung unterstützt, da er seinen eigenen Traum verwirklichen will. Als Gitta sich in ihren Mitschüler Caspar (Dieter Klein) verliebt, der schon bald wegen eines Engagements in eine andere Stadt ziehen muss, werden ihre Leistungen an der Schule merklich schlechter …

»Wenn Sie glauben, dass Sie auf der Bühne nur eine Bestätigung Ihrer persönlichen Selbstsucht finden werden, oder eine Befriedigung Ihrer Eitelkeit, oder eine Herauslösung aus den Nöten der Zeit in eine Welt des Traumes und der Verantwortungslosigkeit, so lassen Sie sich nur gleich gesagt sein, dass die Wirklichkeit der Bühne Sie auf das Härteste enttäuschen wird. Sie verpflichten sich einem Beruf, dessen oberstes Gebot das Opfer ist! Versuchen Sie nicht den Beifall der Meisten zu erringen, sondern streben Sie nach dem Urteil der Besten.« Als der Intendant einer Schauspielschule mit diesen mahnenden, aber völlig aufrichtig gemeinten Worten vor seine Klasse tritt, ist tatsächlich noch keinem von den jungen Leuten bewusst, was auf sie zukommen wird. Die meisten von ihnen haben eine Art Ruf gehört, der sich nicht weiter unterdrücken ließ. Bei einigen wird es gar schmerzhaft gewesen sein, bis sie ihre Energie, das Engagement und die Leidenschaft in den provisorischen Übungsbühnen der Schule entladen konnten, doch der Weg, so wird immer wieder gemahnt, ist noch weit, unberechenbar und steinig. Auch, dass es nur die wenigsten der jungen Leute etabliert in den schaffen werden, liege in der gnadenlosen Natur der Sache. Schnell zeichnen sich unterschiedliche Wege ab, die von Disziplin, Gefühlen, Desinteresse oder der Suche nach dem schnellen Sprungbrett geprägt sein werden. Regisseur Kurt Hoffmann bietet in "Lampenfieber" einen überraschend dynamischen, aber vielmehr teildokumentarischen Stil an, der die Fundamente des Schauspielunterrichts näherbringt: Proben, Repetition, Improvisation Linguistik, Theorie, Ballett, Florett, und was alles noch dazu gehört. Die Lehrer agieren streng, wollen sie dem Publikum am Ende doch nur das Beste präsentieren. Die Produktion schafft es mit Leichtigkeit, einen realen Transfer herzustellen, um nicht als eine von bereits vielen dagewesenen Geschichten in der Versenkung zu verschwinden. So gibt es eine vielleicht beispiellose Anzahl etablierter Stars, die sich hier geistreicher Weise selbst spielen: Hannes Messemer, Eva Maria Meineke, Margarete Haagen, Hans Clarin oder während eines Fernsehspiels Robert Graf und Ina Peters.

Der hier behandelte Personenkult ist dabei keine Erfindung aus der Traumfabrik, sondern ebenso eine wichtige Basis des Theaters, Films, und Fernsehens, welcher sich jedoch nicht alleine auf die angehenden Schauspieler beschränkt. Der Film ist lehrreich, da es so viel Praktisches hinter den Kulissen zu sehen gibt. Die Geschichte ist unterhaltsam, da sie sich vielen Nebenschauplätzen widmet, die das Leben selbst schreibt und nicht eine vorgefertigte Dramaturgie. Die Produktion ist außerdem überraschend feinfühlig und in ausgewählten Phasen tiefsinnig, da menschliche und schwierige Themen angesprochen werden, die mehr oder weniger zu denken geben. Junge Leute sollen geerdet werden, doch man hat kein Stück Ton in den Händen, das sich beliebig formen lässt. Die meisten von ihnen haben ihre eigenen Köpfe. Hier stechen insbesondere Dunja Movar, Michael Hinz, Elke Sommer, Gitty Daruga, Dieter Klein oder Claus Wilcke hervor, da sie unterschiedlichste Entwürfe eines Theaterschülers anbieten. Movar, die bereits drei Jahre später an den Folgen eines Suizidversuchs verstarb und damit vielleicht sogar sinnbildhaft für die mitunter nicht vorhandene Schwerelosigkeit des Berufs steht, ist in ihrem zweiten und letzten Kinofilm zu sehen. Ihre Gitta Crusius stammt aus wohlbehüteten Verhältnissen, ihr Vater ist selbstverständlich gegen diese Art des Werdegangs und versagt ihr jegliche Unterstützung. Um an der Schule angenommen zu werden, fälscht sie die Einverständniserklärung der Eltern, da sie ihren Traum verwirklichen will. Angesagt ist harte Arbeit und neben dieser noch härtere, um etwas Geld für den Lebensunterhalt zu verdienen. Dabei spielt Dunja Movar mit einer erfrischenden Leichtigkeit auf, um die Schwere ihrer Rolle sehr intensiv herauszuarbeiten. Elke Sommer hingegen ist für einen anderen Weg vorgesehen, deren Evelyne schnell eine Offerte einer gewissen Eros Film erhält und einen anderen Karriereweg einschlägt. Claus Wilcke spielt sich als Zyniker der Truppe, um nicht zu sagen, Mephisto auf, Michael Hinz und Dieter Klein bieten unterschiedliche Entwürfe schwacher und resoluter Gemüter an, sodass jeglicher Karriereweg offenbleibt.

Regisseur Kurt Hoffmann bietet insgesamt Entwürfe an und verweist auf die vielen kleinen, aber feinen Unterschiede der Personen, sodass alleine beim Thema der Charakterzeichnungen für breite Abwechslung und sogar Spannung gesorgt ist. Hochwertige Leistungen zeigen wie immer Bernhard Wicki und Antje Weisgerber als Dozenten und Bühnenschauspieler, die ihren Aspiranten etwas mehr mitzugeben versuchen, als nur blanke Theorie. Man nennt es Erfahrung. Überhaupt ist diese Produktion breit und hochinteressant besetzt, unter anderem mit Hans Schweikart, Gustav Knuth, Gitty Daruga, Corinna Genest, Anne Kersten oder Eva Vaitl. "Lampenfieber" nimmt seinen Titel immer wieder wörtlich und zeigt nicht nur die berechtigten Ängste der angehenden Bühnendarsteller, sondern auch die der bereits etablierten. Die Liste der Interpreten, die sich selbst spielen, ist hier beispiellos lang und es ist gut möglich, dass man einige von ihnen zwischen all den Turbulenzen und Kulissen erst überhaupt nicht ausmacht. Der dokumentarische Stil öffnet dem Publikum ein interessantes Fenster, durch das man Selbstzweifel, Tränen, Resignation und einfach nur harte Arbeit sehen kann, folglich sehr wenig von Glanz und Gloria zeigt, was man als Konsument normalerweise verzehrfertig serviert bekommt. Diese hervorragend konstruierte Produktion ist eigenartigerweise kein großer Begriff im Dunstkreis hochwertiger deutscher Produktionen mit Brettern, die die Welt bedeuten. Außerdem über doppeltem Boden verfügen, kann aber nach so vielen Jahren immer noch überzeugen, da die Themen im Grunde genommen die Gleichen geblieben sein dürften. So bleibt ein überaus gründlich aufgerollter und dennoch dynamischer Film, der das gemeine Publikum vielleicht weniger belehren will, sondern zu Demut aufrufen möchte. Versehen mit einer Vielzahl bekannter Schauspieler in tragenden und Kleinstrollen, kann das teils unbarmherzige Schicksal innerhalb der Münchner Schauspielschule seinen Lauf nehmen und aufweisen, dass in diesem Business ganz eigene, wohl unumstößliche Gesetze hat, die jeder Neue gerne umkrempeln würde, sich aber schon bald über den Geschmack von Granit wundern dürfte. Sehenswert.

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So gibt es eine vielleicht beispiellose Anzahl etablierter Stars, die sich hier geistreicher Weise selbst spielen: Hannes Messemer, Eva Maria Meineke, Margarete Haagen, Hans Clarin oder während eines Fernsehspiels Robert Graf und Ina Peters.

Hierbei handelt es sich meistens um sehr kurze Auftritte oder Szenen am Theater. Vergleichbar mit immer interessanten Film-in-Film-Sequenzen, spielen die Schauspieler des Films quasi Seite an Seite neben denjenigen, die sich selbst spielen, um am Ende mit ihnen gemeinsam in einem Stück auf der Bühne zu agieren, oder beispielsweise als Zuschauer und Bewunderer der jeweiligen Stars im Publikum zu sitzen. Gerade diese Szenen machen "Lampenfieber" sehr reizvoll, da eine hohe Unverfälschtheit aufkommt, neben den beinahe dokumentarisch wirkenden Aspekten der Produktion.

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● DER WÜRGER VON SCHLOSS BLACKMOOR (D|1963)
mit Karin Dor, Harry Riebauer, Rudolf Fernau, Hans Nielsen, Dieter Eppler, Richard Häussler, Hans Reiser,
Gerhard Hartig, Stephan Schwartz, Peter Nestler, Werner Schott sowie Ingmar Zeisberg und Walter Giller
eine Produktion der cCc Filmkunst | im Gloria Verleih
ein Film von Harald Reinl

»Ich kann jeder sein!«

Auf einem Empfang auf Schloss Blackmoor gibt Lucius Clark (Rudolf Fernau) bekannt, dass er in den Adelsstand erhoben werden soll. Noch während der Feierlichkeiten wird ein Mord von einer dunklen Gestalt verübt, die wenig später auch Clark bedroht. Inspektor Mitchell (Harry Riebauer) von Scotland Yard nimmt die Ermittlungen auf, stößt dabei jedoch kaum auf brauchbare Aussagen und hohe Widerstände. Die Spur führt schließlich in ein berüchtigtes Nachtlokal, dessen Besitzer Tavish (Hans Nielsen) noch eine Rechnung mit Clark offen hat. Es geht um wertvolle Rohdiamanten, die von Blackmoor nach London gebracht werden sollen, doch jeder Kurier fällt dem Würger zum Opfer …

Produzent Artur Brauner als ewige Konkurrenz zu bezeichnen trifft sicherlich nicht den Kern der Sache, immerhin konnte er sich innerhalb dieses vermeintlichen Modus zu Höchstleistungen motivieren, was sich spätestens bei diesem zweiten Film unter der Marke Bryan Edgar Wallace zeigt. Brauner einigte sich mit dem englischen Kriminalschriftsteller und Drehbuchautor auf die Verwendung einiger seiner Geschichten, wobei man bei manchen durch und durch erdachten Storys nur noch den Markennamen benutzte. Die Reihe konnte sich als ernsthafte Konkurrenz zur von der Rialto Film vermarkteten Edgar Wallace-Reihe etablieren und brachte über die Jahre richtige Klassiker hervor, zu denen definitiv Harald Reinls "Der Würger von Schloss Blackmoor" gehört. Will man einen Grusel-Krimi der 60er-Jahre nennen, der über eine exzellente Atmosphäre verfügt, dann muss diese Produktion in den Ring geworfen werden, deren düstere Note sich von Anfang bis Ende entfalten kann. Eine maskierte Gestalt rennt durch die weitläufigen Parks von Schloss Blackmoor, begeht den ersten, offenbar wahllosen Mord an einem unschuldigen Mann, der sich trotz stattlicher Konstitution nicht gegen die Mordlust des Angreifers wehren kann. Anschließend wird Lucuis Clark höchstpersönlich aufgesucht, der offenbar eine Verbindung zu dem maskierten Mörder zu haben scheint. Schnell stellt sich heraus, dass es um entwendete Blutdiamanten geht, die wie ein Fluch auf dem weiteren Schicksal des neuen Schlossherrn lasten, der sich dort übrigens nur eingemietet hat, immerhin soll der lange im Dienst der Krone stehende Clark schon bald in den Adelsstand erhoben werden. Ob es noch dazu kommt, wird Harald Reinl in besonders anschaulicher Manier klären, der sich auf die Bildgewalt des Verlaufs und die Spiellaunen der Interpreten verlässt. Im Angebot stehen die unterschiedlichsten Charaktere, Repräsentanten beider Seiten zwischen Gut und Böse und der unscheinbaren Mitte.

Sehr interessant ist hier, dass Harry Riebauer in der männlichen Hauptrolle zu sehen ist, der sich in dieser Beziehung und für weitere filme allerdings nicht durchsetzen konnte. Als fester Bestandteil in der deutschen Krimi-Landschaft sollte er fortan nur noch (wichtige) Nebenrollen einnehmen. Als Inspektor Mitchell macht der mit stoischer Ruhe ausgestattete Mime eine solide Figur und steht großen Vorbildern eigentlich in nichts nach. Dabei scheint er sich völlig im Klaren darüber zu sein, dass er sich in tödliche Gefahren begibt und beweist eine gute Spürnase bei seinen unprätentiösen Ermittlungen. Die überaus attraktive Karin Dor scheint in seiner Nähe zunächst etwas abweisend beziehungsweise kratzbürstig zu sein, immerhin entstehen Interessenkonflikte zwischen Scotland Yard und Presse, aber im Grunde genommen zieht man doch an einem Strang. Spätestens als sich Claridge sich erstmals an seine Schultern anlehnen kann, ist es um sie geschehen, zumindest sieht es die damalige Krimi-Charta eindeutig so vor. Einerseits wirkt Claridge Dorsett selbstbewusst im Beruf und unerschrocken auf Abwegen und in zweifelhaften Etablissements, andererseits erscheint sie aber auch wie der Prototyp des zu beschützenden Opfers zu sein - eine Hybrid-Funktion, mit der sich im Kriminalfilm sehr viel anfangen lässt. Karin Dors Kaliber deutet jedenfalls der Vorspann an, den sie führt die Titel-Credits noch vor ihrem männlichen Kollegen an, was für die damalige Zeit nicht ausgeschlossen aber ungewöhnlich war. Betrachtet man die weiteren Darsteller, so bleiben keine Wünsche offen. Besonders hervorzuheben ist sicherlich Rudolf Fernau in einer seiner prägnantesten Rollen im Krimi der 60er-Jahre und es ist als Glück zu bezeichnen, dass es bei Artur Brauner immer wieder zu Engagements kam. Der aus München gebürtige Interpret stattet seine Szenen und die Basis dieser Kriminalgeschichte mit einer auffälligen Kälte und im Grunde genommen Skrupellosigkeit aus, die indirekt noch mehrere Opfer fordern wird.

Aber das hochqualifizierte Schauspiel ruft selbst bei den kriminellsten Vertretern dieser Geschichte Sympathien hervor. Die Regie lässt sich bei der Täterfindung ungern in die Karten schauen, sodass es ein unübersichtliches Angebot an Verdächtigen gibt, wer sich hinter der Maske des Würgers verbergen könnten. Ob Hans Nielsen, Richard Häussler, Dieter Eppler, Hans Reiser oder sogar Walter Giller - dem einen traut man mehr zu, de anderen weniger. Gillers Interaktion mit dem jungen Stephan Schwartz ersparen ausgewiesene und berüchtigte Clowns der einschlägigen Krimi-Landschaft, können somit weitgehend überzeugen, was auch für die zweite signifikante Dame dieses Geschehens gilt: Ingmar Zeisberg, die auch eine beachtenswerte Karriere im Genre hinlegen sollte. Als verruchte und gleichzeitig verführerische Bardame kann sie für Aufsehen sorgen und den Rätselfaktor befeuern. Wie erwähnt lebt der Film von einer außergewöhnlichen atmosphärischen Dichte und der bemerkenswert-experimentellen Musik von Oskar Sala, der es schafft, dass der Zuschauer das Moor atmen und Diamanten funkeln hören kann. Harald Reinl spart auch nicht an Action und Tempo, außerdem kommt es zu ungewöhnlichen Veranschaulichungen im Rahmen von Brutalität und Sadismus, aber Rache schmeckt dem Vernehmen nach eben kalt am besten. Des Weiteren ist die exzellente Dialogarbeit hervorzuheben, die sich stets auf gehobenem Niveau bewegt. Ein dunkles Gemäuer, verfallene Katakomben, ein Nachtlokal, in dem mehrere 100 Jahre Zuchthaus zusammenkommen, der weitläufige bis unüberschaubare Park und öffentliche Plätze, die keinerlei Sicherheit vor den unerbittlichen Mörderhänden bieten, stellen das Kaleidoskop des Schreckens dar, das diesen Film so besonders und zeitlos macht. "Der Würger von Schloss Blackmoor" legt die Messlatte nach einem relativ konventionellen und handelsüblichen Vorgängerfilm für die weitere Konkurrenz ziemlich hoch an, und zählt sicherlich zu den absoluten Highlights der Reihe.

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George Nader



● DER TOD IM ROTEN JAGUAR / LA MORTE IN JAGUAR ROSSA (D|I|1968)
mit Daniela Surina, Grit Boettcher, Kurt Jaggberg, Herbert Stass, Giuliano Raffaelli, Carl Lange, Ilse Steppat, Gert Haucke, Harry Riebauer, Robert Fuller,
Friedrich Schütter, Suzann Hsiao, Karin Schröder, Hans Epskamp, Britt Lindberg, Frank Nossack, Charles Wakefield, Doris Steinmüller sowie Heinz Weiss
eine Constantin Produktion der Allianz Film | Cinematografica Associati | im Constantin Filmverleih
ein Film von Harald Reinl

»Hier sind Abhörgeräte versteckt!«

Das FBI sieht sich mit einer neuen Form des organisierten Verbrechens konfrontiert. Es handelt sich um bezahlte Auftragsmorde, die sich mittlerweile durch die ganzen USA ziehen. Spätestens nach dem Mord an Ann Gordon (Karin Schröder) und ihrer kleinen Tochter Jane (Manuela Schmitz) ist klar, dass man es mit einer äußerst skrupellosen Organisation zu tun hat. Der Hauptverdächtige ist mit Mrs. Gordons eigenem Mann Francis (Giuliano Raffaelli) schnell gefunden, doch er hat ein wasserdichtes Alibi. Jerry Cotton (George Nader) wird auf den Fall angesetzt und er versucht zu beweisen, dass es sich hierbei um einen bestellten Mord handelte. Zusammen mit dem Privatdetektiv Sam Parker (Herbert Stass) ermittelt er in einem weiteren Mordfall, der ähnlich erscheint, denn der Buchhalter des Geschäftsmannes Carp (Kurt Jaggberg) kam auf dieselbe mysteriöse Art und Weise um, doch es gibt erneut ein Alibi. Was noch niemand weiß: Carps eigene Frau Linda (Grit Boettcher) steht als nächste auf der Abschussliste. Nach gefährlichen Ermittlungen und weiteren Morden führt die Spur schließlich zu dem bekannten Nervenarzt Dr. Saunders (Carl Lange), bei dem sich Abgründe auftun …

Unter der Leitung des Krimi-Spezialisten Harald Reinl entstand mit "Der Tod im roten Jaguar" einer der wohl ausgefeiltesten Cotton-Verfilmungen, und auch sein Nachfolger "Todesschüsse am Broadway" lässt sich problemlos in dieser Kategorie wiederfinden. Überhaupt ist anzumerken, dass die Reihe mit jedem Film interessanter wurde. Fall N°7 ist vielleicht der unterhaltsamste Teil im Rahmen der langjährigen Ermittlungen geworden, außerdem bekommt man hier eine unglaublich gute Besetzung quasi eiskalt serviert. Man schaut sich den Vorspann an, und die prominenten Namen mögen einfach kein Ende nehmen. In diesem Zusammenhang hat sich die fortlaufende Serie tatsächlich stark verbessert, auch Spannung, leichter Thrill und Action wurden glücklicherweise wieder größer geschrieben. Es ist zu bemerken, dass Harald Reinl die Produktion absolut im Griff hatte und das FBI-Märchen somit durchgehend gut anzupacken wusste. Gleich zu Beginn wird man mit einem ordentlichen Tempo konfrontiert, das charakteristisch für die Geschichte sein wird. Besonders gut kommt zudem der recht überraschend wirkende Whodunit-Effekt zum Tragen. Um das Publikum letztlich für mögliche Fortsetzungen zu interessieren, setzte man auf eine härtere Gangart, was im Rahmen bestimmter Morde in dieser Story zu wahrhaftigen Schockmomenten führt, da Protagonisten, Sympathieträger und vollkommen Unbeteiligte über die Klinge springen müssen. Aber Jerry Cotton hat es eben mit einem sehr schmutzigen Geschäft zu tun. Inhaltlich dieses Mal mit Auftragsmorden angereichert, präsentiert sich die Geschichte ziemlich abwechslungsreich, was nicht zuletzt auf mehrere, ziemlich eigenartige Charaktere zurückzuführen ist. Auch dass bei vielen bekannten Darstellern, die sich hier wirklich die Klinke in die Hand geben, die Auftrittsdauer sehr kurz bemessen ist, sorgt für Abwechslung und ein straffes Tempo. Der Aufbau des Films ist bis ins Detail gut durchdacht und klar, wenn man auch über gewisse Wahrscheinlichkeiten erst gar nicht zu diskutieren braucht.

Wie gut diesem Film der italienische Einschlag generell tut, kann insbesondere aus der Besetzungsliste herausgefiltert werden, denn die Erweiterungen sind mehr als erfreulich. Mit George Nader als Jerry Cotton ist eine schon längst absolut sichere Bank zu sehen, und er wirkt gewohnt souverän. Dass er der Titelfigur seit Beginn der Serie seinen unverwechselbaren Stempel aufdrücken konnte, schlägt auch hier voll durch, denn die Mischung aus Agilität, Routine und Schlagfertigkeit weiß erneut zu gefallen. Leider kann das von seinem Filmkollegen Heinz Weiss nicht prinzipiell behauptet werden, der sich immer mehr als Stichwortgeber und Nebenfigur herauskristallisiert. Insgesamt ist die Besetzung aber mehr als ausgewogen und für die Begriffe eines deutschen Krimis richtig spektakulär. Besonders auf der Verbrecher-Seite werden hervorragende Akzente gesetzt, die von Giuliano Raffaelli, Carl Lange oder Kurt Jaggberg blendend dargestellt werden, was auf der Seite der Opfer ebenso der Fall ist. Grit Boettcher als bedrohte Ehefrau war bis dato beispielsweise selten so schwungvoll und überzeugend zu sehen, auch die kleineren Darbietungen wie von Ilse Steppat, Karin Schröder oder Britt Lindberg bleiben im Gedächtnis. Was in der Frühphase der persönlichen Cotton-Eindrücke immer als großer Nachteil angesehen wurde, erfuhr mit den Jahren einen kompletten Sinneswandel: die Tatsache der eigentümlichen Einsätze bei den weiblichen Hauptrollen, die heute kleine Offenbarungen darstellen. Keine ganz großen, oder sogar recht kleine Namen, sollten erst gar nicht in die Versuchung kommen, die Aufmerksamkeit von Jerry Cotton himself abzulenken. Beim genauen Hinsehen tun sie dies aber trotzdem. Es ist als großes Glück zu bezeichnen, dass man hier Daniela Surina in einer ihrer größeren Rollen sowie seltenen Auftritte zu Gesicht bekommt, und sie stellt neben Heidy Bohlen das bemerkenswerteste Cotton-Girl dar. Die Liste der hier beteiligten Stars ist so üppig, dass nicht auf jeden gesondert einzugehen ist, aber Gert Haucke als Auftragskiller darf definitiv nicht unterschlagen werden. Er wirkt beängstigend, nicht etwa, weil er klassisch-brutal dargestellt wird, sondern weil er einfach nur einen riesengroßen Knall hat, den er frappant echt und überzeugend darzustellen weiß.

Die beste Besetzung in der langjährigen Cotton-Reihe stellt somit auch beinahe schon die halbe Miete dar, außerdem liegt es auf der Hand, dass Regisseur Harald Reinl die hochwertigsten Beiträge abliefern konnte, weil er den Stoff am besten zu interpretieren und mit Stringenz auszustatten wusste. In den Bereichen Action, Spannungsaufbau und Dynamik stellt er unterm Strich das Gütesiegel der Reihe dar und erfreulicherweise kam hier auch der Rätselfaktor nicht zu kurz. "Der Tod im roten Jaguar" transportiert eine unverwechselbare Atmosphäre und präsentiert gelungene Aufnahmen, auch die Charakterdarstellungen erscheinen hier noch eine Spur mehr ausgefeilt zu sein, als es andernorts der Fall war, da vielleicht ohnehin nie der große Fokus auf einer besonders dichten Darstellung gelegen hat. Die Musik von Peter Thomas erschien in den Anfängen vielleicht noch sensationell zu sein, doch nach der Unterlegung in diversen anderen Teilen hat sie sich aufgrund der Uniformität leider etwas überholt. Die große Stärke dieses siebten Teils der Reihe liegt definitiv in ihrem glasklaren Aufbau. Das Geschehen rund um die Organisation, die Auftragsmorde anbietet, um ihren Klienten wasserdichte Alibis zu verschaffen, ist durchgehend überzeugend und interessant genug dargestellt, um fesseln zu können. Erstaunlich ist die geschilderte Rücksichtslosigkeit beziehungsweise die auftauchende Brutalität, da beispielsweise auch vor der Liquidierung eines kleinen Mädchens nicht zurückgeschreckt wird. Nicht minder interessant erscheint es dabei, wie der Film im Verlauf um Erklärungen bemüht ist, wie es möglich sein könne, Menschen zu Mördern werden zu lassen. Jene Erläuterungen, für die kein geringerer Experte als Carl Lange als Nervenarzt Dr. Saunders zur Verfügung steht, sind selbstverständlich schön krude und schließlich unwahrscheinlich, aber es entsteht ein nicht zu verachtender Spaß-Faktor, der sich wie ein roter Jaguar durch den kompletten Film zieht. Harald Reinl macht es hier, und sogar noch einen Film später vor, wie man sie bearbeiten muss, damit eine Serie nicht nur interessant und abwechslungsreich bleibt, sondern auch mit neuen Impulsen angereichert wird. Schwer unterhaltsam!

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● ILSE STEPPAT als MRS. CUNNINGS in
DER TOD IM ROTEN JAGUAR (D|I|1968)

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Im Produktionsjahr 1968 neigte sich Ilse Steppats Karriere leider schon dem Ende zu, doch insgesamt ließ der deutsche Film ihr breites Repertoire nicht ungenutzt, was sich auch in diesem bereits siebten Jerry Cotton-Beitrag zeigt. Im Rahmen der Domäne lasterhafter und geheimnisumwitterter Damen mit offensichtlich dunkler Vergangenheit, findet man unter Harald Reinls Regie ein vollkommen anderes Angebot, denn Steppat spielt eine ziemlich ordinäre Klatschtante, deren größtes Kapital ihre offensichtlich leichtfertige Tochter Eve ist, die durch Britt Lindbergs pralle Konturen für Aufsehen sorgen kann. Ungewöhnlicherweise ist Ilse Steppats Name im Vorspann sehr weit nach hinten gereicht worden, und man findet sie nur an vorletzter Stelle des Cast, was erfahrungsgemäß eine Ausnahme darstellt. Dennoch ist der Part der Mrs. Cunnings nicht gerade zu kurz geraten, und man sieht sie als Zimmerwirtin in ihrer eigenen Wohnung, die einem sehr ruhigen Gast einen Raum vermietet. Die Vermieterin mit dem feuerroten Haar und den stechenden blauen Augen findet ihren Untermieter - ebenso wie alle anderen auch - genauso merkwürdig, wenn nicht sogar gestört, doch sie bekommt jedes Mal Stielaugen, wenn ein neuer Auszug der Bank vorliegt. Geldgeruch liegt in der Luft, was die neugierige bis aufdringliche Dame in äußerste Wallung zu bringen scheint; vermutlich würde sie sogar ihre Tochter opfern, um an das große Geld zu kommen. Dass sie es in Wirklichkeit mit einem Auftragskiller zu tun hat, merkt die geblendete Frau erst viel zu spät, wenn sich Neugierde und Geldgier durch pure Nervosität und Angst ersetzen. Im Endeffekt handelt es sich um eine sehr passende Rolle für die bekannte Interpretin, doch leider gibt es ein ganz großes Manko, da sie mit einer vollkommen typfremden Synchronstimme versehen wurde. Ilse Steppats unverkennbare Stimmfarbe, ihr Tonfall und das aufkommende Temperament, hätte diese Rolle noch runder wirken lassen. Wie dem auch sei, man sieht die Cunnings in mehreren kleineren Intervallen, die wie ein isolierter Spannungsbogen wirken, wenn auch nur auf ihre Person bezogen.

Ihren Untermieter bewirtet sie derweil intensiver, als es normalerweise der Fall wäre, doch es sind die zahlreichen Gutschriften höherer Geldbeträge, die ihre Neugierde wecken. Ihre Tochter Eve scheint in den Tag hineinzuleben, sie selbst nicht unbedingt am Hungertuch zu nagen, doch die ganz große Chance scheint einer ihrer ältesten Träume zu sein. Dem Sprichwort nach kommt man in der Gefahr um, in die man sich begibt, und es ist unter Harald Reinls stringenter Regie sonnenklar, wo die Reise für Mrs. Cunnings und ihre Tochter hingehen wird. Zuvor wird es aber noch die Angst sein, die plötzlich um sich greift, sodass sich Ilse Steppat trotz unterschiedlicher Anlegung der Rolle das tun kann, wofür sie berühmt und berüchtigt wurde: sich im diffusen Angriff zu verlieren. Obwohl ihr die nackte Angst ins Gesicht geschrieben steht, rückt sie nicht mit der Sprache aus, weigert sich also gleichzeitig, maßgeblich an der Lösung des Falls mitzuarbeiten. Typisch und charakteristisch zeigt sich eine komplette Verkrampfung der Körperhaltung, eine Treibjagd in die Enge und teils unbeholfene Mittel, den Kopf wieder aus der Schlinge zu ziehen. In diesem Zusammenhang kam es häufig zu wunderbaren Pointen in der Dialogarbeit, die durch die unverwechselbare Originalstimme veredelt wurden, doch hier kommt es wie erwähnt zu einem anderen Angebot, an welches es sich erst einmal zu gewöhnen gilt. Im Grunde genommen hat die Cunnings nichts anderes als ein Gemüt wie ein Fleischerhund, sie würde lügen und betrügen, falls es denn erforderlich ist, außerdem jeden ausspionieren, auch wenn es ihre eigene Großmutter wäre. Im Vordergrund steht die persönliche Bereicherung, die nicht unbedingt finanzieller Natur sein muss, denn eine delikate Geschichte über den ungeliebten beziehungsweise geliebten Nachbarn, tut es in der Regel auch. Dies geschieht allerdings alles im Off, und Harald Reinl überlässt Ilse Steppat die Architektur ihrer Rolle im völligen Alleingang. Alles in allem ist die Verpflichtung der Interpretin eine enorme Bereicherung für diesen Film, der beim Ziehen interner Jerry-Cotton-Register die Nase ganz weit vorne hat.

[Prisma]

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HIMMELFAHRTSKOMMANDO EL ALAMEIN

● COMMANDOS / HIMMELFAHRTSKOMMANDO EL ALAMEIN / MIT EICHENLAUB UND SCHWERTERN (I|D|1968)
mit Lee Van Cleef, Götz George, Joachim Fuchsberger, Jack Kelly, Pier Paolo Capponi, Heinz Reincke, Otto Stern,
Marino Masè, Helmut Schmid, Giampiero Albertini, Duilio del Prete, Ivano Staccioli, Lorenzo Piani und Marilù Tolo
eine Produktion der PIC | G.G.I. SpA | cCc Filmkunst | im Verleih der Columbia
ein Film von Armando Crispino

»An der Front hatten wir erheblich mehr Ruhe als hier!«

Nordafrika gegen Ende des Jahres 1942. Deutsche Truppen sind unter Befehl von Generalfeldmarschall Rommel auf dem Vormarsch in Richtung Ägypten. Den US-Amerikanern Sergeant Sullivan (Lee Van Cleef) und Captain Valli (Jack Kelly) gelingt es mit ihren Leuten, das strategisch wichtige Lager in El Alamein in ihre Gewalt zu bringen. Um unerkannt zu bleiben, müssen sie einige Tage lang in italienischen Uniformen auf Verstärkung warten. Das Lager entwickelt sich zum Pulverfass, dessen Lunte bereits gezündet ist, zumal die deutschen Soldaten rund um Oberleutnant Heitzel (Joachim Fuchsberger) bereits eingetroffen sind. Wird sich die wacklige Tarnung aufrechterhalten lassen?

Die Karriere des italienischen Regisseurs Armando Crispino erstreckt sich leider nur über einen kurzen Zeitraum von gerade einmal weniger als zehn Jahren, in dem lediglich acht Spielfilme unter seiner Leitung entstanden, von denen heute nur noch wenige in Erinnerung geblieben sind. Crispino war unter anderem auch als Drehbuchautor tätig und diesbezüglich werden ihm häufig Unstimmigkeiten bezüglich der Kohärenz bescheinigt, was ebenso für manche Filme gilt, bei denen er als Regisseur tätig war. Vielleicht tut man dem Italiener Unrecht, wenn vorschnell mangelnde Routine oder Unerfahrenheit unterstellt wird, denn manche seiner Ergebnisse können sich durchaus sehen lassen, da diese bei gerne angewandter, teils offensiver Härte und Brutalität auch Doppelbödigkeit in Genres anbieten, in denen solche Voraussetzungen weniger gefragt waren. Als eines der prominentesten Beispiele ist in diesem Zusammenhang sicherlich der in der Bundesrepublik unter dem Banner Bryan Edgar Wallace vermarktete Giallo "Das Geheimnis des gelben Grabes" zu nennen, der mehr offeriert, als ihm attestiert wird. Dies gilt bestimmt auch für seinen Kriegsfilm "Himmelfahrtskommando El Alamein", der erneut mit deutscher Beteiligung und internationalem Star-Aufgebot entstanden ist. Crispino geht auch in dieser 1968 entstandenen Produktion mit bewährter Handschrift vor, denn er verliert ungern Zeit, was der dramaturgischen Schärfe vielleicht vielerorts ein Dorn im Auge sein will. Im Gegensatz zu einer Originalfassung von 112 Minuten, kam der Film in der Bundesrepublik in einer um 24 Minuten gekürzten Fassung in die Kinos, was im Endeffekt für das Tempo, die Brisanz und fehlenden Atempausen sorgen wird, die die Geschichte nötig hat. Kriegsschauplätze werden von ausgehebelten Gesetzen beherrscht und es scheint, als existierten in der ägyptischen, von Schauplätzen auf Sardinien simulierten Wüste überhaupt keine Werte mehr, die die Zivilisation mühsam aufgebaut hatte.

Zu erkennen sind nur noch feindliche Lager und aus Strategie geschmiedete Allianzen, die bei jeder Gelegenheit dazu gemacht sein könnten, in Stücke zu zerfallen. Das Publikum darf sich unter Armando Crispinos drastischer, aber gleichzeitig hochwertiger Bebilderung auf schwere Gefechte und brutale Phasen gefasst machen, in denen er sich nicht scheut, Schockmomente zu konstruieren, um sie anschließend genüsslich auszureizen. Im Grunde genommen rückt die recht simple Geschichte zugunsten von Spektakel und Massakern schnell in den Hintergrund, und beinahe ist einem so, als bleibe nichts als Kugel- und Bombenhagel, Tod, Gemetzel und Verderben in der Erinnerung zurück. So einfach macht es sich dieser möglicherweise unterschätzte Beitrag allerdings nicht, denn lose Skizzen einzelner Schicksale deuten persönliche Niederlagen an. Interessant bei dieser brisanten Produktion bleibt schließlich, dass die Sinnlosigkeit derartiger Manöver und des Krieges im Allgemeinen unverschlüsselt an den Pranger gestellt werden - natürlich unter strikter Berücksichtigung des Publikumsinteresses, das bei solchen Veranstaltungen wohl nicht primär auf tiefschürfende Dramatik und entwaffnende Dialoge aus sein dürfte. Angesichts der gewählten Marschrichtung ist der Regie ein effektiver Mittelweg zwischen strapaziöser Unterhaltung und ein paar subtilen Elementen gelungen, wobei Letzteres beinahe im Rahmen von Kugelfeuer, Explosionen und Todesschreien untergeht. Der wohl interessanteste Kniff besteht allerdings in der Tatsache, dass sich nach dem bitteren Ende zeigen wird, dass es sich um kein im Vorfeld auf bestimmte Nationen beziehungsweise Personen zugeschnittenes, glorifizierendes Helden-Epos handelt, sondern sich nachhaltig um eine überaus destruktive Balance bemüht, die unterm Strich am meisten beeindruckt oder schockiert. Effektive Schützenhilfe hierbei leistet das internationale Star-Aufgebot, das mit denkwürdigen Leistungen aufrüstet.

Allen voran steht zweifellos Western-Ikone Lee Van Cleef als getrieben und bedenklich unemotional wirkender Sergeant Sullivan, der vor seiner blutigen Vergangenheit gezeichnet ist und flüchtet, diese aber stets zu Überholmanövern ansetzt, da sie ihn physisch und psychisch zu Grunde gerichtet hat. Zur Schau gestellt als Haupt-Aggressor der Geschichte, wirkt es geradezu so, dass er das Fass jederzeit zum Überlaufen bringen könnte, was für eine unangenehme Spannung sorgt. Als Antagonist in den eigenen Reihen ist sein US-amerikanischer Kollege Jack Kelly zu sehen, der vergleichsweise zu weich und bedacht wirkt, um neben Sullivan bestehen zu können, obwohl dieser nicht das Privileg des Oberbefehls in der abgesandten Truppe genießt. Für Zündstoff ist also genügend gesorgt und wenn es schon intern zu eskalieren droht, stellt sich die berechtigte Frage wie es letztlich aussehen mag, wenn der tatsächliche Feind direkt vor den Soldaten steht. Diese Hochspannung definiert sich über den Verlauf gesehen als Leitmotiv und ist ausschließlich dazu gemacht, um in den entscheidenden Phasen hochzukochen. Gerne gesehene Darsteller repräsentieren die jeweiligen Truppen verschiedener Herkunftsländer und hier ist vor allem die ausgiebige Ansammlung deutscher Top-Interpreten zu nennen, die der Anforderung nach ein- bis zweidimensional denken und agieren. Es ist erstaunlich, wie frappierend echt die Darstellungen von Götz George oder Helmut Schmid in Sachen Ideologie oder Aggressivität wirken, wenngleich auch hier deutliche Gegenentwürfe von Joachim Fuchsberger oder Heinz Reincke angeboten werden, die sich im Endeffekt gegen die Eintönigkeit stellen. Gleiches kann durchaus von ihren italienischen Kollegen gesagt werden, die ebenfalls angemessene Zeichnungen durch Interpreten wie Pier Paolo Capponi oder Marino Masè erfahren. So wurde im schauspielerischen Bereich nichts dem Zufall überlassen, der am Kriegsschauplatz naturgemäß von Männern geformt wird.

In diesem Sinn ist zwischen all der nach Tod riechenden Luft und dem mit Blut getränkten Sand nur eine einzige Frauenrolle zu finden, die ausschließlich zur Verlustierung der Soldaten dient. Die italienische Interpretin Marilù Tolo als Adriana bringt es lediglich auf ein paar unscheinbare und wenig geschmackvoll arrangierte Szenen, in denen ausschließlich ihr Dasein als Objekt dokumentiert wird, doch unter Crispino wird es auch diesbezüglich keine Kehrtwende oder gar ein versöhnliches Ende geben, da so viele harte Schocks wie nur möglich gesetzt werden sollen. Die Simulation der Kriegsschauplätze ist gelungen und aufwändig inszeniert, genau wie die Simulation dieses vollkommen trostlosen und gottverlassen wirkenden Fleckchens Erde. Zahlreiche pyrotechnische Akzente und durchschlagende Bilder der Qual wollen das Verderben hautnah schildern und in diesem Zusammenhang ist nicht zu leugnen, dass die Regie eine nicht nur beunruhigende, sondern phasenweise sehr erschreckende Atmosphäre erschaffen konnte, dass ihre eigentliche Intention nicht schuldig bleibt. "Himmelfahrtskommando El Alamein" möchte anscheinend genau der deprimierende Film über die schlimmste, künstlich am Leben gehaltene und niemals enden wollende Geißel der Menschheit sein, die er ist. Ohne Lichtblicke und Hoffnung fortfahrend, ist daher so gut wie vorbestimmt, dass sich der Verlauf nach und nach selbst exekutiert und sich kaum an Sympathieträgern - geschweige denn Überlebenden - interessiert zeigt. Unterm Strich bleibt vielleicht nur einer von zahllosen Kriegsfilmen, die möglicherweise mehr unterhalten als aufklären möchten, der aber vergleichsweise auch ebenso wie sein Regisseur unterschätzt wird. "Himmelfahrtskommando El Alamein" lässt sich bei Interesse an der Thematik sehr gut anschauen, außerdem kommen Anhänger der insbesondere deutschen Darsteller in den Genuss ungewöhnlicher Interpretationen, die nicht alle Tage abgerufen werden mussten. Ein Film, der trotz seiner reißerischen Seele das Potenzial besitzt, nachdenklich zu stimmen.

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● GÖTZ GEORGE als OBERSTLEUTNANT RUDI in
HIMMELFAHRTSKOMMANDO EL ALAMEIN (I|D|1968)

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»Das Schicksal eines Professors, der Soldat spielen muss, ist leider, dass er solche Leute wie Sie ertragen muss!« Die Miene von Oberstleutnant Rudi verdunkelt sich, als dieser Kommentar aufgrund seines eigenen Sarkasmus ungefiltert wie ein Bumerang zu ihm zurückkommt. Der junge Mann kann ganz gut austeilen, doch einstecken muss noch gelernt werden, ebenso wie auf dem Schlachtfeld. Er und seine Kameraden werden zunächst in einer Situation gezeigt, in denen sie sich eine Pause gönnen dürfen. Dabei scheint es so, als putzten sie sich für eine bevorstehende Freizeitbeschäftigung heraus, die bitter nötig zu sein scheint, da das Innere von Panzern, die Todesschreie der Gegner und die permanente hohe Konzentration auslaugen. Armando Crispinos Kriegsdrama "Himmelfahrtskommando El Alamein" verfügt über eine internationale Starbesetzung, deren deutscher Anteil sich durchaus sehen lassen kann beziehungsweise auf nationaler Ebene ebenfalls für Aufsehen sorgen würde. Der Oberstleutnant wirkt skeptisch und misstrauisch, was sich jedoch durch seine Überheblichkeit, Impulsivität und Eitelkeit aufzuheben scheint. Aber vielleicht sind es auch lebensrettende Maßnahmen auf dem Schlachtfeld. Bereits nach kürzester Zeit wird klar, dass Götz George wie geschaffen für eine derartige Rolle ist, was sich nicht nur auf seine Ausstrahlung bezieht, sondern auch auf optische Aspekte. Wie stellt man sich international den Prototypen eines deutschen Oberleutnants vor? Vielleicht genau so. Schon bald zeigt sich seine autoritäre und gebieterische Seite, die sich mit primitiven Eindrücken vermischt. Diese Melange aus omnipotentem Gehabe und unsachlichem Geschwafel rückt den jungen Offizier potenziell in den Radius der Unzuverlässigkeit. Aber es gilt abzuwarten, denn andererseits kommen doch sehr abgebrühte und unnachgiebige Eindrücke zustande, die in Kombination etwas Unberechenbarkeit transportieren. Rudi hält sich für einen Macher, daher steht er Denkern abwertend gegenüber. Seine körperliche Präsenz und Überlegenheit, die George dem Empfinden nach in jeder zweiten Produktion wie eine Monstranz vor sich herträgt, wartet nur auf die richtigen Momente des Einsatzes und dazu wird es unter Crispino auch kommen. Bei allem Hin und Her handelt es sich schließlich um eine der interessantesten Figuren des Szenarios, da der Ausgang indirekt ungewiss erscheint, falls man den roten Geschichtsfaden ausblenden kann.

»Die Amerikaner … Die werden sich schwer hüten, in die Höhle des Löwen zu gehen!« Mit einem breiten Grinsen begibt sich der Oberleutnant auf einen für den Zuschauer offenkundigen Holzweg, aber der Verlauf wird Götz George sicherlich noch einiges an Agilität und Körpereinsatz abverlangen; Seheindrücke, für die der Deutsche beinahe sinnbildlich steht. Für ihn scheint es keine ausgesprochenen Verbündeten zu geben, sogar innerhalb der eigenen Truppe. Der Schulterschluss entsteht nur wegen des gemeinsamen Feindes oder der sogenannten Sache, die sein ausschließlicher Fokus zu sein scheint. Götz George spielt hier sehr überzeugend und bietet einen Charakter an, der eben nicht im Dunstkreis der landläufig bekannten Helden oder klassischen Sympathieträger zu finden ist. Sein darstellerischer Stil erscheint trotz der Schwere des Stoffs und der teils beklemmenden Atmosphäre von easy going aber auch auffälliger Präzision geprägt zu sein, was im Grunde nichts Neues darstellt, aber immer wieder als bemerkenswerte Komponente zurückbleibt. Das angekündigte Himmelfahrtskommando nimmt seinen unliebsamen Lauf über viele Etappen zwischen Misstrauen, Befehlshaberei, Saufgelagen und Action, in denen George ungern die zweite Geige spielt. Man erfährt nichts über die sicherlich bewegte Vergangenheit Rudis und der anderen. Sie leben und sterben im Hier und Jetzt des Films. Götz Georges Produktionsjahr 1968 war stark geprägt von eher ungewöhnlichen Beiträgen reißerischer und manchmal geringer budgetierter Machart und wenig Krönung des Erfolgs, aber "Himmelfahrtskommando El Alamein" stellt sicherlich den hochwertigsten Output dieser dennoch hochinteressanten Saison dar, die auf die Genauigkeit der Zuschnitte setzte. In Armando Crispinos Film stellt er seine Anpassungsfähigkeit unter Beweis, die in der Riege der vielen und unterschiedlichen Personen im Besonderen heraussticht. Leider nur zeitlich sehr begrenzt im Geschehen wahrzunehmen, kommt es zu typischen George-Momenten, obwohl Ambiente und Thematik nicht wie sein bevorzugtes oder vielleicht sogar sicherstes Parkett erscheinen. Idealerweise bleibt der Interpret wie gewöhnlich zu großen Anteilen Götz George, was diese Leistung unterm Strich besonders und sehenswert erscheinen lässt, auch wenn der Verlauf zahlreiche hässliche Fratzen preisgibt. Seine Karriere verlagerte sich in den nächsten Jahren überwiegend ins Fernsehen, welches die Marke Götz George ebenfalls dankend anzunehmen wusste.

[Prisma]

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Horst Buchholz

● DAS TOTENSCHIFF (D|MEX|1959)
mit Mario Adorf, Helmut Schmid, Alf Marholm, Werner Buttler, Dieter von Keil, Panos Papadopulos, Günter Meisner,
Marielouise Nagel, Claudia Gerstäcker, Albert Bessler, Karl Lieffen, Alfred Balthoff, Edgar O. Faiss und Elke Sommer
eine Produktion der UFA | Producciones José Kohn | im UFA-Filmverleih
ein Film von Georg Tressler

»Sie sind doch sicher glücklich hier an Bord der Yorikke Dienst zu tun!«

Der amerikanische Seemann Philip Gale (Horst Buchholz) geht in Antwerpen an Land. Um die harte Arbeit für kurze Zeit vergessen zu können, zieht es ihn in das Amüsierviertel der Stadt. Er lernt ein leichtes Mädchen (Marielouise Nagel) kennen und verbringt die Nacht mit ihr. Am nächsten Tag stellt er fest, dass ihm sein Geld gestohlen wurde, doch viel schlimmer ist, dass auch seine Papiere verschwunden sind. Außerdem ist sein Schiff bereits vor dem abgemachten Termin ausgelaufen. Ohne seine Seemannspapiere ist es ihm unmöglich, an eine Heuer zu kommen, und er wird von der belgischen Polizei abgeschoben. Philip muss irgendwie nach Marseille kommen, weil man dort auch ohne Legitimation eine Arbeit bekommen könne. An seinem französischen Ziel angekommen, findet er zu seinem Glück tatsächlich eine Heuer als Trimmer auf einem Schiff. Die "Yorikke" entpuppt sich jedoch als erschreckend heruntergekommener Frachter, auf dem die Arbeitsbedingungen nicht nur knochenhart, sondern auch unmenschlich sind. Er freundet sich mit dem Kohlenschlepper Lawski (Mario Adorf) an, der ihm die unglaubliche Wahrheit über die "Yorikke" anvertraut …

Regisseur Georg Tressler arbeitete hier nach "Die Halbstarken" und "Endstation Liebe" bereits zum dritten Mal mit seinem Star Horst Buchholz zusammen, den er als modernen und unkomplizierten Schauspieler bezeichnete. Diese deutsch-mexikanische Co-Produktion der Ufa wurde ebenfalls zum großen Erfolg und beeindruckt in ihrer realistischen und ungeschönten Umsetzung und in der tragischen Darstellung von Einzelschicksalen. Der Film ist in allen Belangen als Meisterleistung zu bezeichnen und wirkt auch nach über sechzig Jahren kein bisschen angestaubt. Es werden Ängste angesprochen, die jeden plagen könnten: Plötzlich und ohne eigenes Verschulden in einem Alptraum zu landen, sich bei zwei Entscheidungsmöglichkeiten für die fatalste Variante zu entscheiden, jemandem komplett ausgeliefert zu sein und aus der Situation nicht mehr herauszukommen, oder komplett ohne Identität zu sein. Hauptdarsteller Horst Buchholz ist hier nur innerhalb dieser mitreißenden Geschichte auf einem falschen Dampfer, und ansonsten ist zu sagen, dass man mit dem charismatischen Schauspieler hier die allererste Wahl getroffen hat. Er spielt unkonventionell und dynamisch, es schimmern immer wieder Kostproben seines Humors durch, der sich im weiteren Verlauf in Galgenhumor verwandeln wird. Er wirkt im Film jeder Anforderung und jeder Situation gewachsen, sein breites Repertoire und seine natürliche, sympathische Erscheinung lassen das Publikum in jeder Minute mitfiebern. Mario Adorf, der schon alleine durch seine markante Erscheinung wirkt, als sei er unverzichtbares Inventar dieser Andeutung eines Schiffes, steht ihm in nichts nach. Er lockt Philip unter Vorspiegelung falscher Tatsachen auf die "Yorikke", um es mit seiner Hilfe bei der eigenen Arbeit leichter zu haben. Aus der anfänglichen Antipathie entsteht schließlich eine Freundschaft, die die unsäglichen Umstände halbwegs erträglich werden lassen. Helmut Schmid spielt die Rolle des wenig umgänglichen Heizers Martin, unter dessen Aggressionen sein Umfeld stark zu leiden hat.

Er wird einige Male mit Philip aneinander geraten, sodass ein Kampf zwischen mentaler und körperlicher Überlegenheit entsteht. Ebenfalls hervorragend wirkt Alf Marholm, als Kapitän des Totenschiffs. Er vereint Skrupellosigkeit und Zynismus in einer ganz bitteren Mischung und wirkt genau wie Werner Buttler, der hier als seine rechte Hand fungiert, abstoßend und widerwärtig. Die darstellerischen Leistungen bewegen sich bis in die Nebenrollen hinein auf überdurchschnittlichem Niveau. Bevor der Kampf ums nackte Überleben losgeht, strahlt Elke Sommer als letzter Hoffnungsschimmer für den Seemann Philip auf. Er trifft sie per Zufall, und Mylène wird das einzige Mädchen in seiner wohl langen Liste sein, an die er mit aufrichtigem Gefühl zurückdenken wird. Elke Sommer wirkt hier wie der Prototyp einer Mischung aus Versuchung und Unschuld. Dementsprechend verhält sie sich scheu und zurückhaltend. Die schöne Blondine ist kein leichtfertiges Mädchen und träumt einerseits von einer gemeinsamen, bürgerlichen Zukunft. Andererseits hat sie durch ihre offene Art etwas indirekt Aufforderndes an sich, von ihrer klassischen Schönheit ganz zu schweigen. Elke Sommer sieht man rund zehn Minuten, ziemlich am Anfang der Geschichte, und ihrer kleinen Rolle kann sogar eine gewisse Tragweite zugesprochen werden, da nicht nur Philip noch mehrmals an sie denken wird. Mit ihr bekommt die Hoffnung eines ihrer schönsten Gesichter, doch es wird eine andere Dame in das Leben von Philip treten: die "Yorikke". So spielt dieses schrottreife verkommene und kurz vor dem Kollaps stehende Schiff eine weitere Hauptrolle im Film, die hervorragend in Szene gesetzt ist. Als sie zum ersten Mal auftaucht, herrscht Stille bei der Besatzung. Die Musik versetzt hierbei einen großen Paukenschlag. Die ersten Bilder im Profil und an Deck lassen es einem beinahe die Sprache verschlagen und man zweifelt sofort an der Seetüchtigkeit dieses Frachters. Alles ist verdreckt, heruntergekommen und trostlos; erstaunt beobachtet man nur einen riesigen Haufen Schrott.

Das Raffinierte bei der Umsetzung ist, dass nicht das Unheil naht, wie es der Volksmund gerne sagt, sondern dass die Besatzung dem Unheil hinterherläuft. Besorgte und resignierte Mienen veranschaulichen, dass die Beteiligten es mit einer ausweglosen Situation zu tun haben. Dieses Schiff beherbergt ein Sammelsurium von Gestalten, die entweder einiges auf dem Kerbholz haben, oder die vor dem Schicksal davon laufen möchten. Die Besatzung besteht somit bereits aus Toten, im sozialen, gesellschaftlichen oder sogar moralischen Sinn. Das mutmaßliche Schiff wirkt wie ein Fluch und schwebt selbst an Land wie ein Schatten über der Crew. Eine Einstellung zeigt Horst Buchholz und Mario Adorf bei einer Unterhaltung: Man sieht das wunderschöne Panorama der Stadt, in der sie angelegt haben, und in der Ferne sieht man die "Yorikke" in ihrer Silhouette, die wie eine gierige Schwarze Witwe lauert. Bemerkenswert an dieser Produktion ist, neben der kompetenten und eindringlichen Umsetzung, dass die gesellschaftskritischen Untertöne genau wie die Anprangerung eines kalten Kapitalismus auch heute noch brandaktuell sind, und wohl immer bleiben werden. Natürlich ist das hier gebotene Zeitfenster ausschlaggebend, aber man könnte die "Yorikke" im übertragenen Sinne heute mit diversen anderen Missständen vergleichen. Für damalige Verhältnisse ist außerdem das Aufzeigen oder Andeuten gewisser "Milieustudien" verhältnismäßig offen gewesen, denn der Film zeigt sich unmissverständlich und vor allem direkt. "Das Totenschiff" verfügt über einen sehr spannenden und in seinen brisantesten Phasen schockierenden Verlauf, präsentiert insbesondere im letzten Drittel spektakuläre Szenen und extravagante Kamerafahrten. Die Musik von Roland Kovac erweist sich stets als hervorragendes Stilmittel, welches ebenso sinnlich, als auch aufwühlend präsentiert wird. Georg Tressler inszenierte nach der Romanvorlage von B. Traven einen herausragenden Spielfilm, der mit seiner sparsamen Ausnutzung von Effekten nicht nur durchweg überzeugend ausgefallen ist, sondern im Nachgang auch zu denken gibt. Ein herausragender Film.

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Zahlreiche Filme verfügen neben ihren eigentlichen Stars im Kreise der Interpreten über wichtige Gegenstände, nicht wegzudenkende Sachverhalte oder tragische Titelrollen, die wie in "Das Totenschiff" nicht immer aus Fleisch und Blut sein müssen. Beim Anblick des Schiffes ist vor allem das Gegenteil der Fall, denn der unheilvolle Kahn hat nichts mehr mit Leben oder Vitalität zu tun. Es wird lediglich eine kurz vor dem Kollaps stehende Mobilität abgerufen, um die spannende Geschichte in Gang zu bringen. Der Anblick der "Yorikke" verbreitet Unbehagen und Beklemmung, behält man als Zuschauer doch den Titel dieser Produktion im Hinterkopf. Im Off lauert sie wie eine Schwarze Witwe, die den richtigen Zeitpunkt braucht, um sich ihrer Crew entledigen zu können. Sie hat ihren Dienst längst getan, wird über die Kapazitäten für kriminelle Geschäfte genutzt, also vollkommen funktionalisiert und ist eigentlich nicht mehr seetauglich. Beinahe empfindet man Mitleid mit ihr, obwohl es sich nur um einen seelenlosen Gegenstand handelt. Zwischen Regisseur Georg Tressler, Kameramann Heinz Pehlke und dem Dirigenten Roland Kovačs entsteht eine interessante und wirkungsvolle Allianz im inszenatorischen, visuellen und akustischen Bereich, die der schäbigen "Yorikke" eine große Bühne einräumen. Hier das Grauen in eindringlichen Bildern:

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● …4 …3 …2 …1 …MORTE / ÓRBITA MORTAL / PERRY RHODAN - SOS AUS DEM WELTALL / KAMPF DER PLANETEN (I|E|D|1967)
mit Lang Jeffries, Essy Persson, Ann Smyrner, Joachim Hansen, Luis Dávila, Daniel Martín, John Karlsen, Hermann Nehlsen, John Bartha,
Lisa Halvorsen, Tom Felleghy, Gino Marturano, Gianni Rizzo, Mirella Pamphili, Dakar, Alessandro Tedeschi, Bruno Ariè sowie Pinkas Braun
eine Produktion der PEA | Aitor Films | Tefi Film | im Constantin Filmverleih
ein Film von Primo Zeglio

»Nicht ein Einziger der Leute darf überleben!«

Major Perry Rhodan (Lang Jeffries) wird mit seiner Crew auf eine geheime Weltraum-Mission zum Mond geschickt, da sich dort ein Metall befinden soll, das wertvoller als alle bekannten Vorkommnisse auf der Erde, außerdem ein wesentlich größeres Atomgewicht als Uran haben soll. Bei der Ankunft stößt man jedoch auf ein außerirdisches Raumschiff, welches wegen eines Defekts notlanden musste. Die Crew des Planeten Arkon, angeführt von der Kommandantin Thora (Essy Persson) und dem Wissenschaftler Crest (John Karlsen) demonstriert postwendend deren Überlegenheit, doch Crest ist gesundheitlich angeschlagen, da er an einer Blutkrankheit leidet. Um ihm helfen zu können, muss man zur Erde zurück, doch die Ankunft bleibt nicht unbemerkt …

Turbulente Science-Fiction-Märchen und farbenfrohe Weltraum-Räuberpistolen besitzen naturgemäß das Potenzial, ihre Anhängerschaft gezielt abzuholen, außerdem schnell auf die Zufriedenheitsseite zu ziehen, was bestimmt auch für "Perry Rhodan - SOS aus dem Weltall" gilt. Ohne diesen Film gesehen zu haben und angesichts des Rufes, der ihm vorauseilt, macht man sich im Grunde genommen auf eine der üblichen Billigproduktionen gefasst, die man sich in der losen Erwartung schlampig aneinandergereiht und ohne besondere Geschehnisse vorstellt. Glücklicherweise weist Primo Zeglios poppiger Genre-Beitrag unmittelbar auf seine Vorzüge hin und kann sogar mit technischer Finesse und überraschend gelungenen Tricks punkten, was bei einem Produktionsbudget von 2,4 Millionen D-Mark schließlich kein Wunder darstellt. Auf zahlreiche Intervalle bezogen, ist das Script sicherlich eine Art immer wieder verwendeter Dauerbrenner, allerdings müssen dem Publikum triftige Gründe geliefert werden, warum sich eine Crew in derartige unkalkulierbare Gefahren begibt. Zugunsten recht weltlicher Angelegenheiten rücken diese immer wieder in den Hintergrund, sodass eine interessante Frage aufkommt, die sich bei etlichen Geschichten stellt. Will dieser Film ernst genommen werden, oder möchte er einfach nur ein Vertreter der besonderen Unterhaltung sein? Dies zu beantworten, obliegt natürlich dem Zuschauer selbst, denn bei aller Überraschung, die in inszenatorischer Hinsicht wahrzunehmen ist, kann das Ganze auch schnell kippen und als langweilig oder eben doch im negativen Sinn als trashy identifiziert werden. Inmitten einer sehr gelungenen deutschen Synchronfassung, deren Riege der Sprecher (unter anderem mit Rainer Brandt, Herbert Stass, Gerd Matrienzen oder Joachim Nottke) ebenso prominent wirkt, wie die Besetzungsliste der Produktion selbst, bilden sich sehr extravagante visuelle Eindrücke ab, die die Aufmerksamkeit forcieren können. Was seinerzeit vielleicht modern wirkte, strahlt heute eher im Nimbus der Nostalgie, was sich jedoch als optimale Zutat erweist, wenn man den Film Jahrzehnte nach seiner Entstehung anschaut. Die Geschichte verfügt über eine wellenartige Spannung, die nicht immer auf höchstem Niveau wahrzunehmen ist, da sich die Regie mit einigen Plänkeleien in der Peripherie aufhält, um wohlgemerkt immer wieder zum angekündigten Punkt zu kommen.

Es ist anzunehmen, dass man mit diesem Genre-Beitrag besser fährt, wenn man vielleicht keinen der "Perry Rhodan"-Romane kennt, denn dem Vernehmen nach mutet die Inszenierung den treuen Fans dann doch zu viele Abweichungen zu. Für Anhänger prominenter Schauspieler internationaler Märkte wird hier jedoch einiges geboten und es ist beinahe von einem kleinen Fest zu sprechen. Als Perry Rhodan ist der Kanadier Lang Jeffries zu sehen, der auf europäischer Ebene längst kein unbeschriebenes Blatt mehr war. Hier wirkt es allerdings recht sonderbar, dass sich das volle Potenzial einer ausgewiesenen Titelrolle nicht entfalten kann und Jeffries dabei zu sehr neben anderen Kollegen in die Stratosphäre rückt, welche wesentlich exponierter in Erscheinung zu treten wissen. Hier ist vor allem die attraktive Schwedin Essy Persson zu nennen, die mit "Perry Rhodan - SOS aus dem Weltall" den Grundstein für eine leider nicht sehr lange andauernde, internationale Karriere legen konnte. Ihr Spiel wirkt im Korsett des Scripts erfrischend, gebieterisch und mit Klischees kokettierend, sodass man ihr gerne dabei zusieht, was sie intergalaktisch zu fabrizieren hat. Von vor allem in Deutschland bekannter Seite, welches mit 30 % der Produktionskosten beteiligt war, überzeugt vor allem der Schweizer Pinkas Braun, in einer für ihn obligatorischen und daher griffigen Rolle als Schurke, in der er vor allem von seiner auffälligen Präsenz und bedrohlichen Seite zehrt. Joachim Hansen, Hermann Nehlsen und Ann Smyrner wird nur eine geringfügige Beteiligung beziehungsweise Bedeutsamkeit am Geschehen zugebilligt, wenngleich sie von einigen europäischen Kollegen, wie etwa Gianni Rizzo, Luis Dávila oder Daniel Martín unter Schützenhilfe stehen. Am Ende ist es ein bisschen schade, dass die Mission zu schnell zurück auf die Erde verlegt wird, sodass man gemessen an der Titelankündigung nicht restlos zufriedengestellt wird. Insgesamt gesehen ist diese Produktion trotz ihrer Weltraum-Thematik ein klassisches Kind des Zeitrahmens geworden, da sich Inhalte verschiedener Genres vermischen und Schauspieler allseits bereit wirken, sich einfach in jede erdenkliche Rolle einzufinden, und sei es auf dem Mond. Schlussendlich bleibt Primo Zeglios Beitrag ein extravagantes Angebot, das einerseits vielleicht Lichtjahre von den Besten, andererseits ebenso weit entfernt von den ganz misslungenen Vertretern des europäischen Genre-Kinos ist. Wieso sollte dieser Flick also keinen Spaß machen?

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● DER TODESRÄCHER VON SOHO / EL MUERTO HACE LAS MALETAS (D|E|1972)
mit Horst Tappert, Fred Williams, Barbara Rütting, Elisa Montés, Beni Cardoso, Wolfgang Kieling, Rainer Basedow,
Luis Morris, Mara Laso, Eva Garden, Dan van Husen, Ángel Menéndez, Andrea Montchal und Siegfried Schürenberg
eine Produktion der cCc Filmkunst | Tele Cine | Fénix Films | im Constantin Filmverleih
ein Film von Jess Franco

»Er mischt sich in Dinge, die ihn nichts angehen!«

Eine beunruhigende Mordserie hält London in Atem, denn ein Serienkiller geht stets nach dem gleichen Strickmuster vor, indem er seinen Opfern deren eigenen Tod ankündigt, indem er ihre Koffer packt. Sein Markenzeichen ist ein exotisches Wurfmesser, das er mit hoher Präzision bedient und bei jedem Todeskandidaten genau ins Herz trifft. Die Polizei steht vor einem Rätsel, da sich zwischen den Toten zunächst keine Verbindungen herstellen lassen und die Zusammenhänge fehlen. Inspektor Redford (Fred Williams) arbeitet sich in Kleinstarbeit durch den mysteriösen Londoner Nebel und gelangt langsam aber sicher zu wichtigen Erkenntnissen. Hinter der Mordserie scheint eine synthetische Droge namens Meskalin zu stehen, welche ihn zu dem undurchsichtigen Arzt Dr. Bladmore (Siegfried Schürenberg) führt. Hat dieser tatsächlich mit den Verbrechen zu tun, oder befindet sich Redford auf einer völlig falschen Fährte?

Im Jahr 1961 startete Artur Brauner eine eigene Kriminalserie, die unter dem Banner Bryan Edgar Wallace vermarktet wurde. Ob für einige der jeweils abgehandelten Themen jemals eine Vorlage in Form eines Kriminalromans existiert hat, sei dahingestellt, allerdings liegt diesem Vertreter tatsächlich der Roman "Der Tod packt seinen Koffer" zugrunde. Nichtsdestoweniger konnten die Konkurrenz-Produkte zur erfolgreich angelaufenen Edgar-Wallace-Reihe der Rialto Film für Achtungserfolge sorgen, und manchmal sogar für mehr. Jess Francos 1972 entstandener Reißer "Der Todesrächer von Soho" handelt in etwa die gleiche Geschichte ab, die in der BEW-Premiere "Das Geheimnis der schwarzen Koffer" bereits Verwendung gefunden hatte. Derartige Remakes, Neu-Interpretationen oder Aufgüsse haben es in der Regel schwer, da mögliche Überraschungseffekte oder frische Impulse fehlen. Diese Spät-Variante ist erfreulicherweise wesentlich überzeugender als der angestaubt und teils ungelenk wirkende Vorgänger von Werner Klingler ausgefallen. Die Bryan-Edgar-Wallace-Reihe fand übrigens nach Jess Francos Beitrag mit Armando Crispinos "Das Geheimnis des gelben Grabes" ihr Ende. "Der Todesrächer von Soho" wird naturgemäß mit gemischten Gefühlen aufgenommen und bewertet, vor allem unter dem Kriterium der Regie. So wird der Film einerseits oft als zu konservativ für Franco-Verhältnisse beschrieben, andererseits als zu unwirsch für eine Reihe mit kriminalistischen Prämissen. Bleibt man auf der Vorteils- und Vergleichsseite, wird dieser in vielerlei Hinsicht interessante Flick sehr gut unterhalten können, denn zunächst fällt seine hochinteressante Geschichte ins Gewicht, die sicherlich eine der stärksten innerhalb der kompletten Serie geblieben ist. Ein Killer informiert seine designierten Opfer über deren bevorstehendes Ende, indem er die Koffer packt und vor der Ermordung ein perfides Spiel treibt.

Die Polizei tappt wie so oft im Dunkeln, ebenso wie das interessiere Publikum, für welches sich die anfangs nebulösen Zusammenhänge erst ordnen müssen. Jess Franco und der einschlägig bekannte deutsche Kriminalfilm ist vielleicht am besten als eine aus der Logik entsprungene Zweckgemeinschaft beschrieben, die der Spanier nur temporär aber produktiv bediente, inszenierungstechnisch allerdings hier und da Probleme mit ihr hatte, da es sich ganz offensichtlich um keine seiner großen Herzensangelegenheiten handelte. So bleibt der Haupt-Kritikpunkt eine nicht bis zum Ende aufrechterhaltene Spannungskurve, die Hintergründe oder Täter zu früh preisgegeben haben. In einem Film wie "Der Todesrächer von Soho" wirkt diese Tatsache nicht weiter gravierend, da er mit vielen Vorzügen aufwartet, die aus konventionellen Mustern ausbrechen, was sich weniger in der Architektur der verarbeiteten Geschichte zeigt, sondern im Rahmen inszenatorischer Belange. Franco entscheidet sich trotz des im deutschen Titel namentlichen erwähnten Settings London weitgehend gegen von Nebel beherrschte Sequenzen und präsentiert unorthodoxe Filter, die wider Erwarten eine schwer zu definierende Aura und ein eigentümliches Flair aufbauen können. Im Kontrast dazu etablieren sich grelle Farben, interessante Schattenspiele, auffällige Requisiten und kontrastreiche Sets, die über eine gewisse Budgetierung berichten wollen, außerdem für Abwechslungsreichtum sorgen, was die Produktion nachhaltig modern erscheinen lässt. Mittels extravaganter Kamera-Einstellungen kommt eine ansprechende Dynamik und sozusagen Leben in diese tödliche Angelegenheit, die von dunkler Vergangenheit, Geheimnissen und überaus weltlichen Beweggründen dominiert wird. In Kombination mit Rolf Kühns kraftvollen Kompositionen, unter denen insbesondere sein leidenschaftliches Stück "Blue Concerto" heraussticht, entsteht ein überaus ansprechendes Gesamtbild, das sich nicht durch gewisse Ungereimtheiten beirren lässt, und unterm Strich fesselnd wirkt.

In dieser Produktion sind erfreulicherweise zahlreiche Veteranen des deutschen Kriminalfilms und im Sinne des Krimis unverbrauchte Gesichter zu sehen, die in ihren unterschiedlich angelegten Rollen für teils beachtliche Momente sorgen. Die Hauptrolle dieser Veranstaltung gestaltet Horst Tappert, der sich hier und da längst in Genre-Produktionen etablieren konnte und zum dritten Mal unter Francos Regie agiert. Auch hier lässt sich sagen, dass sich der Reiz dieser Zusammenarbeit nicht zuletzt aus der Tatsache ergibt, dass man einen Interpreten wie Tappert nicht unbedingt bei Jess Franco erwartet hätte, ihn aber aufgrund seiner Krimi-Erfahrung und der recht konventionellen Leitung des spanischen Filmemachers dankend annimmt. In der Rolle des Autors Charles Barton empfiehlt er sich durch eine vollkommen abgeklärt wirkende Körpersprache, die in Verbindung mit der merklichen Tatsache, dass er der Polizei immer einen Schritt voraus zu sein scheint, für Sympathiepunkte, aber gleichzeitig auch für eine schwer zu definierende Distanz zum Zuschauer sorgt, da er sich einiger Methoden bedient, die über das Ziel hinaus schießen. Sein freundschaftlicher Umgang mit Inspektor Redfort alias Fred Williams will über lange Intervalle recht gut gefallen, wenngleich sich das Gefühl einstellt, dass nicht immer an einem Strang gezogen wird. Die nebulöse Komponente, in der die meisten Charaktere gefangen sind, ist der Spannung sehr zuträglich, denn im Endeffekt sollte man hier nicht jedem trauen. Völlig erhaben wirkt die aus Granada stammende Schauspielerin Elisa Montés, die bereits Franco-Erfahrung vorzuweisen hatte, allerdings den Raum für das Ausbuchstabieren ihrer Facetten eingeräumt bekommt. Schön wie nie, kann man Montés dabei begleiten, wie sie in einem immer gefährlicher werdenden Strudel aus Bedrohung und Mord gerät, vor dem sie selbst der Inspektor nicht vollends schützen kann, da zu viele Personen ein doppeltes Spiel treiben.

Überhaupt könnten zahlreiche Personen des Szenarios zur vorzeitigen Auflösung des Falles beitragen, woraus sich eine gut dosierte Grundspannung ergibt, die von den Stars der Manege klassisch ausgespielt wird. Zugunsten Barbara Rüttings und ihres gleichzeitig größeren Namens für eine solche Produktion, rutschte Elisa Montés in den deutschen Credits weit nach hinten, obwohl sie die eigentliche weibliche Hauptrolle des Films inne hat. Barbara Rütting eilte längst der Ruf voraus, die richtige Frau für besondere schauspielerische Anforderungen zu sein, vor allem weil die eher oft spröde und kühl wirkende Berlinerin sich nie als dankbare Handlangerin für den ecken- und kantenlosen deutschen Film herausgestellt hatte. Selbst ihre vergleichbaren Rollen in der Wallace-Reihe heben sich nach wie vor von dem Verlangen nach einheitlichen Gebilden und völlig publikumskompatiblen Zuschnitten der Dramaturgie ab, sodass sie wie geschaffen für die Rolle der verschlagen und skrupellos wirkende Celia ist. Alleine ihre Aufmachung berichtet von gebieterischer Dominanz, dementsprechend kommandiert sie ihren männlichen Handlanger herum und übernimmt Aufgaben, die selbst gestandene Herren nicht immer mit dem kleinen Finger abwickeln würden. In diesem Zusammenhang schließen sich denkwürdige Szenen an, die zu deutlichen Schlüssen verleiten. Ihre übergeordnete Stelle ist eine Frau, von der sie in Sachen Kaltblütigkeit und unerbittlicher Härte wohl noch einiges lernen könnte: Linda alias Beni Cardoso, die mit Jess Franco mehr als die Hälfte ihrer Filme drehte, somit zu dessen spektakulärster Stammgarde gehörte. Wie üblich rückt der Spanier die Damen der Schöpfung auch in diesem Film wesentlich mehr und vor allem interessanter in den Fokus, sodass es die zum Teil prominenten Darsteller schwer haben, sich entsprechend zu profilieren.

Es scheint so, als haben Rollen wie die von Wolfgang Kieling, Siegfried Schürenberg oder etwa Fred Williams nicht den gleichen Schliff, das ebenbürtige Gewicht oder schlicht und einfach das gleiche Interesse erfahren, wie es bei Rütting, Cardoso oder Montés zweifellos der Fall ist, was nicht unbedingt auf die zum Teil übersichtliche Screentime zurückzuführen ist, sondern auf den Umstand, dass Franco in jedem seiner Filme ein weibliches Elixier haben musste. Anhand der thematischen Voraussetzungen werden die Interpretinnen zwar nicht in typischer Manier dienstbar gemacht, bieten aber weitaus mehr an, als in vergleichbaren Produktionen. In Besetzungsfragen bietet "Der Todesrächer von Soho" schließlich einträgliche Variationen an, die so oder so in Erinnerung bleiben. Wie sich bei dem Verfolgen dieser Geschichte herausstellt, versucht die Vergangenheit die Gegenwart zu verdrängen und die Zukunft empfindlich zu beeinflussen. Die bislang unbehelligten kriminellen Elemente der Story sind schnell ausgemacht, denn immerhin stellen sie sich praktischerweise selbst unmissverständlich vor, doch über allem thront ein noch undurchsichtigeres Gemisch als der berüchtigte Londoner Nebel, der nicht so einfach zu durchdringen ist. Ein Mörder wirft seine Messer mit tödlicher Präzision; die Polizei weiß, dass es jedes Mal den richtigen getroffen hat. Doch wer steckt dahinter und vor allem welches Motiv? Jess Franco bietet Verdächtige an, von denen sich jedoch einige selbst aus dem Dunstkreis der potenziellen Täter disqualifizieren, da eine dramaturgische und inszenatorische Ungeduld auszumachen ist, welche die Kirsche auf der Torte letztlich vereitelt. Insgesamt stellt "Der Todesrächer von Soho" dennoch einen mehr als soliden und durch und durch unterhaltsamen Beitrag innerhalb und fernab der Bryan-Edgar-Wallace-Reihe dar, der durch Jess Francos extravagante Handschrift ein besonders hervorstechendes Flair erhält.

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● BARBARA RÜTTING als CELIA in
DER TODESRÄCHER VON SOHO (D|E|1971)

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In für Regisseur Jess Franco typischer Art und Weise, verfügt auch "Der Todesrächer von Soho" über durch die Bank interessante und völlig unterschiedliche Frauenparts, unter denen Barbara Rütting eine Art Referenz darstellt. Die Interpretin bekam ab dem Jahr 1963 die Möglichkeit, Rollen bei Edgar Wallace oder Bryan Edgar Wallace zu übernehmen und das jeweils zweimal. So unterschiedlich diese Rollen auch angelegt sind, so gleichförmig wird immer dieselbe hohe Qualität angeboten, denn Rütting spielt starke Frauen, die nicht mehr auf maskuline Hilfe angewiesen sind. Sicherlich erscheint es einigermaßen exotisch, dass die Deutsche überhaupt unter Jess Franco spielt und dementsprechend einen Part interpretiert, der vordergründig nach den Vorstellungen des Spaniers auszusehen hat. Die weiblichen Rollen dieser Geschichte stehen in eindeutiger Hierarchie zueinander, dementsprechend ist es kein Geheimnis, wer dem Verlauf länger beiwohnen oder exponiertere Szenen spielen darf. Celia betritt das Szenario als beschriebenes Blatt, sie scheint alles in der Hand und im Blick zu haben. Als Managerin eines Nachtclubs gibt sie die Zügel der Pferdchen an interessierte Kunden weiter, um ihr Tagesgeschäft für andere zu machen, dessen am meisten lukrativer Teil allerdings aus der aus Drogenhandel oder Mord besteht. Rüttings Erscheinung wirkt hier überraschend verrucht, außerdem bietet sie eine Berechenbarkeit an, die für ihre Frauenrollen in Kriminalfilmen der Reihe(n) eher untypisch wirkt, was aber sicherlich Francos einseitigem Ideenreichtum zuzuschreiben ist. So wird von Anfang an kein Hehl daraus gemacht, dass es sich bei Celia um eine skrupellose Kriminelle handelt, die es in Tradition derartiger Storys auszuschalten gilt. Aber vorher schaltet sie andere aus, was sie gerne mit einem lapidaren »das wärs« quittiert. Es wirkt beinahe unwirklich, wenn diese Figur entgegen dem bekannten Profil der renommierten Schauspielerin ihre Gewaltbereitschaft unter Beweis stellt und Horst Tappert zu Boden prügelt. Bleibt man vordergründig bei der Optik, dem Stil und der Aura dieser Dame, so lässt sich ein abgrundtiefer Sadismus ableiten und vielleicht noch ein bisschen mehr. Celia ist für das Grobe zuständig, für die Drecksarbeit, mit der ihre Chefin nicht belästigt werden möchte. Um Jess Franco nicht in einschlägige Erklärungsnöte zu bringen, wird kaum aufgedeckt, warum sie so agiert, aber es handelt sich offenbar nicht nur um eine Wiederholungstäterin, sondern um eine pathologische Überzeugungstäterin, die auch für das Publikum die reinste Provokation darstellt.

Es ist als trotz entgegengesetzter Einschätzungen Glück zu bezeichnen, dass Rütting mit von der Partie ist. Außerdem ist sie in der deutschen Fassung mit ihrer eigenen Stimme zu hören, was die fehlenden Nuancen der dramaturgischen Architektur zumindest über verbale Akzente ausgleichen kann. Allerdings ist es hier auch so, dass Barbara Rütting ganz ungewohnte Exempel statuieren darf; ein Bumerang, der Celia noch zielstrebig treffen wird. Sie darf nicht nur ungewöhnlich deftig austeilen, sondern muss auch empfindlich einstecken. Dies zeigt sich in einer Art Folterszene mit ihrem Kollegen Horst Tappert, von dem die Geschichte verlangt, dass er seine Kontrahentin abgrundtief hasst und verabscheut. Kein schweres Unterfangen bei einer Drogenhändlerin, Zuhälterin und Mörderin, die ihren Gegner zuvor eigenhändig zusammengeschlagen und ihn völlig entnervt bei ihrer geheimnisvollen Chefin vorgestellt hat. Diese weibliche Hauptrolle der Produktion bewegt sich unmittelbar im Kreis der Drahtzieher und somit gefährlichsten Personen des Szenarios, in das sich die beliebte Schauspielerin trotz unterschiedlicher Anforderungen problemlos einfügt. Ohne Skrupel, gewaltbereit, unempfindlich und zynisch. Regisseur Jess Franco hatte ganz offenbar ein Faible für derartige Stereotypen, die allerdings auch beim Publikum gut ankommen können. Sucht man in der Filmografie Rüttings nach Vergleichen, dürfte man nur schwer ein Äquivalent zu diesem Angebot finden, was die Sache umso vielversprechender macht. Der turbulente Verlauf stellt Celia immer wieder in Intervallen den Vordergrund, die Kamera interessiert sich für ihre markanten Gesichtszüge. Was ihre Identität betrifft, legt Jess Franco die Karten unmissverständlich deutlich und überaus schnell auf den Tisch. Mit der durch ihre Kleidung an die jeweiligen Situationen angepasste Frau fürs Grobe wird es noch reichlich Ärger geben. Im Grunde genommen handelt es sich um keine Rolle, die der üblichen Kragenweite der Interpretin entspricht, sodass der Mut, hier alternative Wege einzuschlagen, mehr als anerkennenswert ist. Neben ihrer Kollegin Beni Cardoso hat sie zweifellos den stärksten weiblichen Part dieses Krimis, mit maskulinem Anstrich erwischt, der trotz oder wegen Franco'scher Herangehensweise sehr viel Freude bereiten kann. Gespickt mit Aggressivität, Erbarmungslosigkeit und Killer-Instinkt bleibt unterm Strich eine denkwürdige Darbietung, die in Barbara Rüttings Filmografie nicht nur zum Hingucker, sondern buchstäblich zum Exoten wird. Ein unerwartetes Vergnügen in einer ihrer letzten Kinorollen.