DAS WERDEN WIR JA SEHEN!? 2.0

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Prisma
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DAS WERDEN WIR JA SEHEN!? 2.0

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Als ich damals mein Filmtagebuch am 19.07.2013 im alten Dirty-Pictures-Forum eröffnet hatte, erläuterte der einführende Satz, dass ich bei diesem Thema nur schwer widerstehen könne, was sich bis heute nicht geändert hat. Themen neu aufzuwärmen, einen gewissen Umfang wieder herstellen zu wollen und wieder von ganz vorne anzufangen klingt im ersten Impuls nicht nur witzlos, sondern es fühlt sich tatsächlich so an. Dennoch weiß zumindest ich sehr genau, dass mir dieses Nachschlagewerk auf Dauer bestimmt fehlen würde. Welche Filme haben einen temporär bewegt, animiert oder gelangweilt, oder welche Schauspieler_innen waren gerade en vogue, konnten dazu bewegen, alles Mögliche mit ihnen anzuschauen, und was hat man sich nötiger- und unnötigerweise zugelegt, was konnte wie eine Bombe einschlagen, womit hätte man in diesem Leben nicht mehr gerechnet oder was ist gnadenlos gefloppt? All diese Eindrücke waren auf einen klick verfügbar und das sollen sie auch wieder sein, wenn auch in modifizierter Form.

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In diesem Fall soll allerdings nur wieder eine lose Sammlung entstehen und vielleicht fallen mir nach so vielen Jahren der Filmleidenschaft noch einige Geschichten und alte Eindrücke von anno dazumal oder aktuelle Runs ein, die hier dann ebenfalls einen Platz finden können. Natürlich wird es bei einer derartigen Reanimation dieses bereits dagewesenen Tagebuchs vermutlich zu Wiederholungen oder auch dem ein oder anderen Déjà-Vu kommen, aber es gibt schließlich Filme und Serien, die ich mir immer wieder anschaue. Wie der jeweilige toast of today, beziehungsweise eher yesterday aussieht, konnte ich noch nie mit Bestimmtheit sagen, da das Thema Film etwas ziemlich Sprunghaftes und Unberechenbares für mich ist, bei dem im Vorfeld nicht immer ganz klar ist, was morgen oder übermorgen kommen mag. Klar ist nur, dass etwas kommt. So braucht es nur irgend einen Anstoß oder irgend einen Impuls, nur keinen Stapel, der abgearbeitet werden muss. So bin ich mir sicher, dass sich auch dieses Tagebuch irgendwie wieder füllen wird...

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Prisma
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Re: DAS WERDEN WIR JA SEHEN!? 2.0

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● DIE BANDE DES SCHRECKENS (D|1960)
mit Joachim Fuchsberger, Karin Dor, Fritz Rasp, Karin Kernke, Dieter Eppler, Ulrich Beiger, Ernst Fritz Fürbringer, Eddi Arent,
Karl Georg Saebisch, Alf Marholm, Günther Hauer, Otto Collin, Karl-Heinz Peters, Marga Maasberg und Elisabeth Flickenschildt
ein Rialto Film Preben Philipsen | im Constantin Filmverleih
ein Film von Harald Reinl

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»Ich wette dagegen!«


Der seit Jahren gesuchte Betrüger und Fälscher Clay Shelton (Otto Collin) erschießt bei seiner Verhaftung einen Polizisten und wird wegen Mordes zum Tode verurteilt. Vor seiner Hinrichtung schwört er allen, die an seiner Verurteilung beteiligt waren, dass sie einem baldigen Tod entgegensehen werden. Wenig später wird ein Mordanschlag auf Inspektor Long (Joachim Fuchsberger) verübt, welcher maßgeblich an der Verhaftung Sheltons beteiligt war. Anschließend kommen der Staatsanwalt, Henker und Richter unter äußerst mysteriösen Umständen ums Leben, sodass Long tatsächlich davon ausgehen muss, dass sich Sheltons Prophezeiungen bewahrheiten. Als man dessen Grab öffnet, um die endgültige Gewissheit zu haben, dass er auch wirklich tot ist, findet man in seinem Sarg lediglich Backsteine und eine Todesliste, die darüber Aufschluss gibt, wen es als nächsten erwischen soll...

Im noch frühen Stadium der erstaunlich gut angelaufenen Edgar-Wallace-Reihe sollte es Harald Reinl sein, der als erster Regisseur zum zweiten Mal den Zuschlag bekam, ein neues Wallace-Abenteuer inszenieren zu können. Mit "Die Bande des Schreckens" gelang es dem Österreicher, einen ebenso guten, wenn nicht sogar noch spannenderen Film als "Der Frosch mit der Maske" zu kreieren, und es ist deutlich wahrzunehmen, dass sich die Serie von Film zu Film weiter entwickelte. Diese 1960 entstandene Produktion konnte den bisherigen Zuschauerrekord von gut über 3 Millionen Zuschauern übertreffen und bedient sich neuer Fragmente, die bislang noch nicht exponiert in Erscheinung getreten waren. So zeigen sich nicht nur ausgeprägte Grusel-Elemente, sondern auch Spuren von leichtem Horror, der insbesondere in den Szenen auftritt, in denen ein Hingerichteter seinen potenziellen Opfern die Galgenhand entgegenstreckt. Unter Betrachtung der bisherigen Zuschauerzahlen zeigt sich eindeutig, dass die damaligen Kinogänger ein prinzipielles Interesse an der Materie in neuer Fasson hatten, es aber auch ausschlaggebend war, wie und von wem der jeweilige Film inszeniert wurde. In der Geschichte rund um "Die Bande des Schreckens" geht schließlich rapide das Gerücht umher, dass eine Leiche ihr rachsüchtiges Unwesen treiben könnte, mindestens aber einige Helfershelfer, deren Identität oft nur zu erahnen aber nicht vollkommen auszumachen ist. Auch ohne die bestehenden Fakten oder Zahlen stellt sich binnen kürzester Zeit heraus, dass man es auch über die Grenzen der Reihe hinaus mit einem Krimi-Klassiker zu tun hat, der sich in allen wichtigen Bereichen mühelos profilieren kann. So provoziert die Regie immer wieder mit für damalige Verhältnisse drastischen Szenen, die nicht nur für Nervenkitzel sondern auch für breit angelegte Spannung zu sorgen wissen, die sich in den richtigen Momenten mobilisiert und hochschaukelt.

Die Finessen ergeben sich weiterhin aus der Tatsache, dass hier eine originelle Story zugrunde liegt, die jederzeit Verwirrung stiften und für Überraschungen sorgen kann. Insbesondere der übernatürliche Touch der Angelegenheit ist maßgeblich daran beteiligt, dass das Publikum hin und her gerissen ist zwischen der gedanklichen Verurteilung oder Rehabilitation bestimmter Charaktere. Als pragmatisch denkender und aufmerksam folgender Krimi-Fan hält man es natürlich für ausgeschlossen, dass ein Toter den selbsternannten Rache-Engel spielen könnte, obwohl Shelton auch nach seinem Tod immer wieder auftaucht und es einem sanfte Schauer über den Rücken treibt. überhaupt ist die Figur des Clay Shelton überaus interessant und kann trotz der überaus kurzen Auftrittsdauer aus dem Off überzeugen, da sein Fluch wie ein Schatten über dem Szenario liegt. Seine Todesankündigungen wirken verheißungsvoll und es erscheint gleichzeitig sehr plausibel, dass die Köpfe der verurteilten Personen rollen werden. Pikant bei diesem undurchsichtigen Thema ist, dass die ermittelnde Figur in persona eines agilen Joachim Fuchsberger ebenfalls auf dieser Liste steht, somit von Anfang an das Epizentrum der Gefahren gerückt wird. Fuchsberger ist hier in seinem bereits zweiten Wallace-Auftritt zu sehen und er macht daraus vielleicht einen seiner überzeugendsten. Dabei hat der junge Polizist an mehreren Fronten gleichzeitig zu kämpfen: Gegen die geisterhafte Shelton-Maschinerie, gegen die Wünsche seines Vaters, dessen Stammbaum seiner Ansicht nach viel zu würdevoll ist, um diese Voraussetzungen bei Scotland Yard zu verschwenden, und er muss schließlich noch um die Gunst von Nora Sanders und dafür kämpfen, dass sie der schrecklichen Bande nicht in die Hände fällt. Aus wenigen Fragmenten der Story werden nach und nach gut nachvollziehbare und geschickt ineinander überfließende Handlungsstränge, die exzellent von den Schauspielern, aber vor allem den Damen getragen werden.

Karin Dor, damalige Ehefrau des Regisseurs und in ihrem Wallace-Debüt zu sehen, passt sich der düsteren Anforderung in Perfektion an, indem sie daran arbeitet, deutliche Kontraste herauszuarbeiten. Ihre Anmut ist auffällig, ihre Attraktivität sowieso, und sie steht für unberührte Tugenden und Werte, die der Gefahr ausgesetzt sind, vergiftet zu werden. Karin Dor bewegt sich überaus sicher auf diesem Parkett mit doppeltem Boden und demonstriert bereits hier in aller verfügbaren Leichtfüßigkeit, warum sie zur Stil-Ikone für die Welle deutscher Kriminalfilme wurde. Ihre Nora Sanders stellt dabei eine Art Melange der Frau von damals und morgen dar, da sie einerseits das übliche Rollenbild verkörpert, andererseits aber auch für sich selbst sorgen kann, indem sie arbeitet und sich ein Stück weit von Korsetts der damaligen Gesellschaft frei macht. Kein Wunder also, dass sich Inspektor Longs Interesse bei der modern und vollkommen aufrichtig wirkenden jungen Dame verankern kann. Für völlig andere Eindrücke sorgt die damals als vielversprechend gehandelte Karin Kernke, die als leichtlebiges Pendant zwischen den Stühlen aufgebaut wird. Dabei fällt Kernkes besondere Fähigkeit auf, die jeweilige Szenerie für sich zu vereinnahmen, und das noch nicht einmal vordergründig im optischen Sinn, sondern im Rahmen ihrer darstellerischen Basiskompetenzen, die in Erinnerung bleiben. Elisabeth Flickenschildt als Mrs. Revelstoke spielt dem Empfinden nach oftmals in einer ganz anderen Liga, wenn man Vergleiche heranzieht, was jedoch hauptsächlich an der Auslegung der Rolle und am Gebrauch des Handwerks liegt. Beinahe flüsternd und über den Dingen schwebend, stiftet die Dame von Welt Verwirrung und lässt es nicht zu, dass ihr das eigene Umfeld in die Karten sehen kann, was übrigens auch für das Publikum gilt. Ihr mütterlicher Rat gegenüber Nora beeindruckt mehr als das Gegenteil der Fall wäre, sodass man die Flickenschildt quasi mit unmittelbarem Sicherheitsabstand begleitet, da man nicht anders kann.

Auch bei den Herren kann man sich auf Kompetenz und vor allem Präsenz verlassen. In diesem Zusammenhang ist zunächst Otto Collin als Clay Shelton zu nennen, dessen Auftrittsdauer nicht über den Vorspann hinaus kommt. Oder doch? Mit dieser Frage spielt Harald Reinl recht geschickt und auch wenn man die eine mögliche Maskerade vermutet, geht die Strategie sehr gewinnbringend auf. Collin dominiert das Geschehen quasi aus dem Jenseits heraus und lässt seine Drohungen nach und nach wahr werden, indem unschuldige Sterben, die er vor seiner Hinrichtung schuldig sprach. Otto Collins gespenstische Erscheinung sorgt richtiggehend für eine Aura und kommt dieser Geschichte sehr zugute, auch wenn es sich nur um eine Nebenrolle handelt, die keine Erwähnung in den Titelcredits des Films gefunden hat. Ebenso starke Leistungen, die auf dem jeweiligen Erscheinungsbild oder der bloßen Ausstrahlung fußen, liefern Fritz Rasp, Ulrich Beiger, Dieter Eppler oder Alf Marholm, sowie Ernst Fritz Fürbringer, Günther Hauer oder Eddi Arent auf Seiten der Polizei. Vor allem Arent wurde bereits in diesem frühen Wallace-Stadium das Abonnement zuteil, für den trockenen Humor zu sorgen, der bestenfalls auflockernd wirkt. Dennoch ist und bleibt Joachim Fuchsberger der Mann dieser etwa 90 Minuten, den man bei seiner teils unkonventionellen Ermittlungsarbeit gerne zuschaut, da er sie Sache fest im Griff hat. Überhaupt sind in den Anfangszeiten noch wesentlich dichtere Ermittlungen wahrzunehmen und hier kann man sogar den Begriff Teamwork in die Runde werfen, wenngleich neben Fuchsberger so gut wie jeder zum Stichwortgeber wird. Die Geschichte gewinnt durch die hohe Dichte an Morden an Rasanz, auch wenn manche Mordmethoden auf den Zufall und das Schicksal gleichzeitig angewiesen sind. Spätestens nach dem dritten Toten ist jedem klar, dass es auch jeden erwischen könnte, bis schließlich die Todesliste auftaucht, die Klarheit verschafft und eine hohe Trefferquote aufweist

Harald Reinls Film zeichnet sich vor allem durch sein hohes Tempo und dessen sichere Hand aus, was in so gut wie allen Bereichen erkennbar ist. Dem Publikum werden jedoch auch immer wieder angemessene Atempausen angeboten, sodass die "Bande des Schreckens" vielleicht als einer der Filme in die Geschichte der Reihe eingehen kann, der mitunter am meisten ausgewogen wirkt. Für besondere Gänsehaut- und Gruselmomente wirkt der Teils morbide wirkende Inszenierungsstil, der vor allem in der Rückschau zu den typischen Charakteristika gehören wird. Betrachtet man die sehr publikumswirksam ausgearbeitete Story, ergeben sich natürlich einige Fragen nach der Plausibilität, allerdings möchte man ein derartiges Schreckensstückchen erst gar nicht an derartigen Normen messen, da der Unterhaltungswert weit über dem Durchschnitt liegt. Im Grunde genommen wirkt hier alles dicht bis ins Detail durchgeplant, sodass keine Wünsche offen bleiben und die Serie sogar klammheimlich in eine neue Qualitätsebene gehoben wird. Besondere Erwähnung sollte die klassische Bildkomposition finden, die von wirksamen Schwarzweiß-Kontrasten und besonders gut arrangiertem Licht- und Schattenspiel lebt. Insbesondere wenn Donner ertönt, der Wind pfeift, ein Messer durch die Nacht fliegt oder Sheltons Silhouette im Nebel zu erahnen ist, kommt das typische Wallace-Feeling auf, das die Reihe so groß gemacht hat. Die Musik von Heinz Funk unterstützt die Story klassisch und kraftvoll, bis man auch schon einem Showdown entgegen sieht, der sich sehen lassen kann, da Harald Reinl großen Wert auf Überraschungsmomente legt, die mit einer auffälligen Brutalität und Unbarmherzigkeit eingeleitet und vollstreckt werden. Im Wallace-Universum markiert "Die Bande des Schreckens" einen waschechten Klassiker, der seine Stärken an den richtigen Stellen auszuspielen weiß, ohne sich vor dem spannenden Finale allzu sehr aus der Reserve locken zu lassen. Kann man wirklich nicht oft genug gesehen haben.



🖈 Edgar Wallace und ich ist in all den Jahren zu einer untrennbaren Kiste geworden und überhaupt sind die zahlreichen Verfilmungen, von denen ich die meisten erstmals als Kind gesehen habe, zu Evergreens geworden. Ich sehe mir die Filme nicht nur immer und immer wieder mit Begeisterung an, sondern entdecke auch trotz des hohen Bekanntheitsgrades immer noch Neues. "Die Bande des Schreckens" gehört zu den Vertretern, die ich seinerzeit nicht bei der TV-Ausstrahlung gesehen hatte, aber per Zufall irgendwann eine Aufzeichnung in der VHS-Sammlung meines Vaters gefunden hatte. Ab diesem Zeitpunkt konnte sich Harald Reinls Frühwerk zu den meist gesehenen Wallace-Filmen der Reihe entwickeln, weil ich ihn ganz einfach auch für einen der besten halte und er lässt sich heute wie damals immer noch flüssig anschauen. Zum Glück waren da noch mehrere Wallace- Aufzeichnungen auf Video zu finden. Wenn ich die Zahlen sprechen lassen müsste, könnte ich es gar nicht genau benennen, allerdings gibt es nur wenige der Filme, die ich noch keine 50 Mal gesehen habe, wobei dieser Richtwert in diesem speziellen Fall nicht ausreicht. Zu Kinderzeiten gab es Phasen, in denen die schreckliche Bande und Konsorten dem Empfinden nach in Dauerschleife gelaufen ist, was im Endeffekt nicht immer ein intensives Zuschauen, sondern oft nur ein Nebenherlaufen bedeutete. Vielleicht kann ich deswegen viele Dialoge so gut wie auswendig. Ach, der deutsche Kriminalfilm hat mich schon zu vielen anderen Genres bringen können, deren Schauspieler übrigens noch weiter, und es ist irgendwie beruhigend, dass es sich dabei um eine Neverending Story handelt. Es kommt zwar so gesehen nichts Neues mehr nach, aber dafür Vieles hinzu.

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Prisma
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Re: DAS WERDEN WIR JA SEHEN!? 2.0

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Maria Schell

DANS LA POUSSIÈRE DU SOLEIL


● DANS LA POUSSIÈRE DU SOLEIL / IL SOLE NELLA POLVERE / IN THE DUST OF THE SUN / DUST IN THE SUN (F|E|1970)
mit Bob Cunningham, Karin Meier, Ángel del Pozo, José Calvo, Colin Drake, Perla Cristal, Marisa Porcel und Daniel Beretta
eine Produktion der Univers Galaxie | Kerfrance Production
ein Film von Richard Balducci

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»I like black!«


In der Abgeschiedenheit der kleinen Westernstadt San Angelo kommt es zu dramatischen Ereignissen, nachdem der Grundbesitzer Bradford von seinem eigenen Bruder Joe (Bob Cunningham) brutal umgebracht wird. So erreicht Joe sein langjähriges Ziel, sich nicht nur den gesamten Besitz und das Vermögen anzueignen, sondern auch Gertie (Maria Schell), die Witwe seines Bruders, zu heiraten. Ab diesem Zeitpunkt ist Gerties Sohn Hawk (Daniel Beretta), der ohnehin sehr in sich gekehrte Züge hat, nicht mehr wiederzuerkennen und sinnt danach, den Mord an seinem Vater zu rächen, um die moralische Ordnung nach seinen ganz eigenen Begriffen wieder herzustellen...

Der französische Regisseur und Drehbuchautor Richard Balducci inszenierte in seiner Karriere nur verhältnismäßig wenige Spielfilme, zu denen auch die ungewöhnliche französisch-spanische Co-Produktion "Dans la poussière du soleil" gehört. Dieser im Jahr 1970 hergestellte Western wurde seinerzeit kaum bis gar nicht wahrgenommen, da es etwa drei Jahre dauerte, bis die auf William Shakespeares Drama "Hamlet" basierende Geschichte in den regulären Kinoverleih gelangte. Es folgten kurze Phasen der Aufführung, bis dieser bis heute weitgehend unbekannte Rachewestern-Vertreter wieder spurlos aus den Kinos verschwand. Im gesamten deutschsprachigen Raum, somit auch in der Bundesrepublik Deutschland, wurde Balduccis recht ambitioniert wirkende Erzählung keine Kino-Auswertung zuteil, wofür es mehrere Gründe gegeben haben dürfte. Zunächst ist allerdings einmal festzustellen, dass die Geschichte bereits im Vorfeld ein unbestimmtes Interesse und eine vielleicht nicht alltägliche Neugierde wecken kann, dies sogar vollkommen unabhängig von der Tatsache, dass Weltliteratur mehr oder weniger mit in die laufende Geschichte eingeflossen ist. Ein Film wie dieser steht und fällt mit ganz bestimmten Grundvoraussetzungen, die irgendwo zwischen Unvoreingenommenheit und Erwartungshaltung zu finden sind. Im vorliegenden Fall erhält sogar die nicht unwichtige Komponente massives Gewicht, dass die Hauptrolle des Szenarios keine Geringere als Maria Schell inne hat, sodass man sich als Zuschauer bereits vor der Sichtung darüber im Klaren sein sollte, Phasen der darstellerischen oder von Aura geprägten Dominanz geboten zu bekommen, wenngleich die Rolle der Wahl-Schweizerin hier in keinem Vergleich zu ihren Welterfolgen steht, für einen Italo-Western jedoch den Nimbus des Überqualifizierten mit sich bringt. Zumindest theoretisch. Diese überspitzte Beschreibung soll das so hochverdiente und erfolgreiche Genre keinesfalls abqualifizieren, sondern lediglich auf den Umstand hinweisen, dass derartige Fremdkörper oder vielmehr Experimente wenig erfolgversprechend waren, was die ausgebliebene Beachtung auch hinlänglich dokumentiert.

"Dans la poussière du soleil" als unwirsch, schwach oder gar misslungen abzutun, wäre angesichts der offensichtlichen Bemühungen viel zu einfach und auch mehr als ungerechtfertigt, denn Richard Balducci bietet eine nicht uninteressante Variation unter unzähligen Beiträgen an, die dem Empfinden nach nicht alle Tage zu finden war. Dass die gezeigte Geschichte auf William Shakespeares Vorlage basiert, kann aufgrund grobschlächtiger Parallelen nicht in das Reich der Mythen verwiesen werden, doch der Film funktioniert auch ohne jegliche Kenntnisse der Vorlage. Von einer Adaption reinster Seele kann nicht zuletzt wegen des Ambientes auch keine Rede sein, da die Erzählung mithilfe moderner und reißerischer Mittel auf zeitgenössische Abwege gelenkt wird und somit einen drakonischen Transfer erlebt. Es empfiehlt es sich ohnehin, den Film losgelöst, ohne Korsett und überspitzte Erwartungen zu betrachten, der sich bereits in der Eingangssequenz von seiner ansprechendsten Seite präsentiert. Spezifische Klänge läuten den bevorstehenden Kurs überaus eindrucksvoll ein und bäumen sich anklagend auf, sodass es unmittelbar nach einer schönen Panoramafahrt der an Flexibilität und Extravaganz interessierten Kamera zu Brutalität und Härte kommen kann. Im weiteren Verlauf kristallisieren sich außerdem ungewöhnlich deutliche körperliche Szenen heraus, die den hier gewählten, destruktiven Tenor oft unterstreichen und in einer derartigen Produktion fast schon ein wenig exotisch wirken. Das schnell servierte Motiv löst die nötige Kettenreaktion aus, die jede der beteiligten Charaktere existenziell bedroht. Die Marschrichtung, potentielle Geschehnisse und vorhersehbare Konsequenzen rücken im Szenario somit unmissverständlich in den Vordergrund, das von Isolation, Nötigung, Hass und Demütigung geprägt ist, um erst gar nicht auf die falsche Fährte zu führen, dass hier irgendwelche Gefangenen gemacht werden. Richard Balducci gelingt es innerhalb der sehr charakteristisch wirkenden Schauplätze und Kulissen recht eindrucksvoll, für eine seltene Art der Spannung zu sorgen, die im Endeffekt nicht einer ganz klassischen Definition entspricht, weil sie in ausgewählten Intervallen vor allem zermarternd, aushöhlend und beklemmend wirkt.

In diesem Zusammenhang ist auf Maria Schells erwartungsgemäß zwingend wirkende Darbietung hinzuweisen, die durch die bloße Anwesenheit und wenige Kniffe ihres breit gefächerten Repertoires für die bedeutenden Momente des Verlaufs sorgen kann. Für die gebürtige Österreicherin kam es insbesondere in diesem Zeitfenster zu ungewöhnlichen Einsätzen, was sich vermutlich aus zweierlei Gründen herleitet: Eine sich anbahnende Krise im internationalen Kinotopp und damit verbundene Restriktionen im Rahmen der üblichen Einsatzgebiete; hinzu kam eine längere schöpferische Kino-Pause der Interpretin, die bis auf wenige Unterbrechungen für Fernsehproduktionen bereits 1963 begonnen hatte. Maria Schells kleines Comeback führte sie somit nicht nur in diesen - wenn man so will - Franco- oder Eurowestern, sondern auch in für sie vollkommen untypische Produktionen wie beispielsweise Jess Francos Reißer "Der heiße Tod" und "Der Hexentöter von Blackmoor", in denen man Maria Schell wohl nicht unbedingt erwartet hätte. Als Zugpferd dieses Beitrags ist die Schauspielerin nebenbei bemerkt nur der nominellen Hauptrolle zu sehen, allerdings zeigt sich auch hier ein obligatorischer Präzisionsauftritt, der durch die Affinität der Kamera für ihre gebrochen wirkende Figur unterstrichen wird. Zwar kann Maria Schell im Vergleich zu vielen ihrer Top-Rollen kaum erwartungsgemäß auftrumpfen, doch es lässt sich in diesem Fall pauschal sagen, dass es hier mehr als ausreicht und sie wesentlich mehr Substanz anbietet, als oft im besagten Genre zu finden war, was insbesondere über die Aufgaben der Interpretinnen und deren Zuschnitte gesagt werden kann. Interessant zu beobachten ist, dass sich Balducci insgesamt gegen solche zu wehren versucht, es jedoch nicht schafft, sich vollends von ihnen freizumachen, da die Geschichte aufgrund der verwendeten Vorlage sozusagen vorzementiert und darüber hinaus mit einen ordentlichen Spritzer Zeitgeist versehen wurde. So begibt sich die Produktion auf den besten Weg, ihrer Hauptdarstellerin die größte Bühne zu bieten, die sie meistens ohnehin gewöhnt war, was je nach Lager für zwiespältige Eindrücke sorgen dürfte.

Gertie Bradford ist vielleicht am treffendsten als wandelnder Vorwurf beschrieben. Die unvorhergesehenen Einschnitte des Schicksals oder die Aktionen derer, die versuchten, Schicksal zu spielen, treffen sie mit voller Härte, sodass es kaum verwunderlich erscheint, sie in eine offensiv schwermütige Körpersprache gehüllt zu sehen. Mit eindeutiger Gestik und Mimik, den hasserfüllten Blicken und auffällig missbilligender Konversation, provoziert die in anklagendes Schwarz gehüllte Witwe den Mörder ihres Mannes und gleichzeitig Ehemann in spe, fällt ihrem introvertierten Sohn Hawk gegenüber jedoch mit mütterlicher Leidenschaft auf, die nicht selten der einer Geliebten gleicht. Schwierige Konstellationen stellten unzählige Male die Leitlinie für derartige Stoffe dar, die - je nach ergiebiger Nutzung - für atmosphärische, teils große Momente zu sorgen wissen. Die hier zugrunde liegende Vorlage sorgt schließlich dafür, dass der Verlauf quasi ohne konventionelle Heldenfiguren auskommen muss, was zersetzende und tragische Phasen garantiert, die im Grunde genommen Maria Schells Angelegenheit sind und bleiben. Eine Person wie Joe Bradford alias Bob Cunningham fällt als Abschaum dieser kompletten Veranstaltung auf, denn er präsentiert sich in barbarischer, unerbittlicher und kaltblütiger Fasson, was letztlich einen erforderlichen Domino-Effekt auslöst. So muss er seine zukünftige Frau eigenhändig zur Witwe machen, um sie überhaupt an sich binden zu können, doch diese Qual und Demütigung wird ihren Preis haben. Der markante US-Amerikaner liefert beim bestechenden Ausbuchstabieren dieser von Perversion und Aggressivität getriebenen Person ein richtig derbes Kabinettstückchen, das zweifellos das Potenzial besitzt, in unangenehmer Weise nachzuhallen. In der Zwischenzeit arbeitet Regisseur Balducci nachdrücklich daran, die Szenerie durch interessante Rochaden bei Drive und Intensität zu halten, wenngleich der Spannungsbogen immer wieder neu aufgerollt werden muss.

Dies geschieht augenscheinlich weniger im Sinne von ungünstiger Handhabe, sondern einer immer wiederkehrenden Verschiebung der Klimax nach hinten, um der Geschichte nötiges Feuer zu verleihen. Anhand der gewagten Integrierung von zahlreichen Gewaltspitzen, torpedoartigen Dialogen und ungewöhnlich ausgeprägten Sexszenen, kommt eine Art negativer Strudel in Gang, der die Personen nicht nur entwurzelt, sondern sie überdies dazu zwingt, entgegen des gesunden Menschenverstandes und womöglich ihres Naturells zu agieren. Die ohnehin ungewöhnliche Besetzungsliste wird ansprechend durch die Leistungen von Daniel Beretta oder Karin Meier erweitert. Der Franzose Beretta, von Haus aus eigentlich Sänger und Komponist, stand hier noch am Anfang seiner schauspielerischen Aktivität. Seine nahezu wortlose Rolle lebt in erster Linie von seiner geheimnisvoll wirkenden Ausstrahlung, die im Endeffekt eher als Laune der Dramaturgie zu bezeichnen ist. Die erkennbare Funktion als Schlüsselfigur verliert sich vielleicht ein wenig zu sehr in der staubigen Peripherie, allerdings nimmt man sie irgendwo zwischen dankend und zwangsläufig als solche an. Berettas mehr oder weniger unbekannte Kollegin Karin Meier appelliert hauptsächlich an Beschützerinstinkte, bleibt des Weiteren aufgrund ihrer soliden bis ästhetischen Szenen in Erinnerung. Der Film hat eine Reihe von Argumenten zu bieten, die ihn ergänzend sehenswert machen. Dass die Verfilmung damals kaum registriert wurde und in Vergessenheit geraten ist, spiegelt nicht deren überdurchschnittliche Qualität und die oft aufblitzende Extravaganz wider. Vor allem kameratechnisch darf ein bemerkenswertes Gespür und eine auffällige Konstanz bescheinigt werden, was dem dialogarmen Film eine ganz eigene Sprache verleiht. Musikalisch erlebt man ebenso Hochwertiges wie beispielsweise im darstellerischen Bereich, sodass "Dans la poussière du soleil", der übrigens ein bitterschönes und absolut betörendes Finale bereit hält, Erwartungen erfüllen konnte, die im Vorfeld noch nicht einmal definiert waren.



🖈 Welche Zahl wäre über den Daumen gepeilt zu nennen, wenn man beziffern müsste, wie viele Filme man in all den Jahren bereits gesehen hat? Ich kann es nicht sagen. Bei einem traditionell hohen Filmkonsum und der immer andauernden Jagd nach besonderen Filmerlebnissen, dürften es jedenfalls fast unzählige sein, doch langsam aber sicher wird es aufgrund des großen Luxus immer breiter werdenden Verfügbarkeiten immer weniger, von dem man denkt, man müsse es unbedingt gesehen haben. Daher kommt es naturgemäß nicht mehr in der gleichen Häufigkeit dazu, dass ein Film dieses Gefühl von damals verursachen kann, dass man ihn unbedingt und noch unbedingter haben muss. Richard Balduccis "Dans la poussière du soleil" gehörte vor noch gar nicht allzu Zeit zu dieser Spezies und ich war umso glücklicher, ihn relativ schnell sehen zu können. Warum gerade dieser Film? Das kann ich eigentlich gar nicht so genau sagen, da ihm keinerlei Ruf vorausgeeilt war. Da ich mir nur in wenigen Ausnahmen Zusammenfassungen von Geschichten durchlese, um jeden erdenklichen Spoiler zu vermeiden, wusste ich noch nicht einmal, worum es hier geht. Das Genre ist zwar gerne gesehen, aber in der Regel nicht für meine Initialzündungen verantwortlich. Auch wenn die Besetzung für große Momente und Überraschungen sorgen konnte, wirkte sie zunächst etwas unscheinbar, und so reicht es dann wohl aus, dass ich einen Film einfach unbedingt sehen möchte, sozusagen aus einem Bauchgefühl heraus. Jeder, der "Dans la poussière du soleil" also einmal zwischen die Finger bekommen sollte, darf diesem leider viel zu unbekannten und unterschätzten Beitrag ruhig eine ernsthafte Chance einräumen.

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